王家卫(Karwai Wong ),1958年7月17日出生于上海,香港电影导演、监制及编剧,擅长文艺电影。 1963年随父移居香港。1980年毕业于香港理工大学平面设计专业后,经过短期培训进入香港TVB电视台从事电视制作。1988年王家卫首次执导电影《旺角卡门》,1990年执导第二部影片《阿飞正传》,获得香港电影金像奖最佳导演奖及金马奖最佳导演奖。1994年执导影片《东邪西毒》,是一部颠覆传统的武侠片。1997年导演影片《春光乍泄》,获得第50届戛纳电影节最佳导演奖。

王家卫

王家卫
wang jia wei

  • 武侠片中《藏龙卧虎》拿捏意境化情节与哲理化武打平衡亮点与不足

    19年前,李安带着一王双后,周润发、章子怡加杨紫琼《藏龙卧虎》阵容,一举叩开奥斯卡的大门,以横扫之势拿下当年的四项大奖。可令人不解的是,这部电影在北美赢得高口碑,和2亿惊人票房的双丰收,甚至时至今日,此票房依然高居国产片在北美上映票房榜之首。但是内地上映时却遭受"滑铁卢",不但只收获可怜兮兮的1400万,约合220万美元的票房,还在口碑上遭到类似评价"演得什么鬼"、"不过瘾"的重创。何以东、西方对《藏龙卧虎》这部武侠片,有如此似两极分化的看法?是因为对故事的核心理解不同?还是双方秉持的"价值观"的错位?亦或,从根本上对武侠片的"要求"条件的迥异?或许以上原因都有一些,但笔者认为,这或许还要从其本身,导演李安对武侠片中最重要的两个组成——"情节"与"动作"之间拿捏的平衡来看,他到底想讲的"道理"是什么,以及想呈现给观众的"世界观"又是什么。这就像是导演李安把原本西方世界难以理解的,"武打"的暴力之美,上升到"艺术"的设计之处,于是让东方世界所谓的"意境",提供了一个可供实际触摸的具象文化产品的载体。但于东方世界来说,如此设计武打动作,却显得有点虚有其表般的"粗制滥造",而情节上的简单复杂化,又给整个故事带来了想象不到的东方世界理解的"隔阂"感。遂而,东、西方上映的票房表现,就如此天差地别了。简单情节的复杂意境化演绎经典两女一男外加"背景板"的另类爱情故事组合自上世纪七、八十年代香港开始刮起一股猛烈的武侠风,从报纸到小说,再搬上小电视、大银幕,无数英才绝艳的"大侠"们,从"江湖"中诞生。郑少秋版楚留香太帅了!!!还记得当年郑少秋版的《楚留香》,一度每日定点播放之时,人们大多万人空巷般守时观看,至后续黄金港片一代之时,联合诸多堪称"点金之手"的导演们,共同创造出属于"江湖"的无上巅峰时代。而于这类武侠片来说,观众观感最重要的两大派别,一路是追求情节的跌宕起伏,江湖儿女的快意恩仇,在情、义两难全的艰难挣扎中,寻求一种爽快的淋漓感。而另一派则是纯粹追求让人血脉喷张,各类眼花缭乱的端正传统与奇异创新的兵器的打斗,以及"大侠"们或飞檐走壁、或信手摘花折叶、或风流潇洒般,所谓行走江湖的肆意感。但是,最佳,最让观众们满足的武侠片,就是把这两派完美融合的精彩呈现,所以,由此可看,其实于武侠片而言,最重要的两大元素,就是情节和武打动作的设计和演绎了,而想要呈现"佳作",就需要拿捏这两者之间的平衡。既为武侠片的类型,一般来说,这类片大多数的情节设计,都会偏向简单化,就是把一些武侠世界特有的,诸如情与义、得与失等"江湖"特有元素,加入到一个简单的,诸如家族、师门报仇,师徒、门派纠葛以及情与义的抗争与妥协等等,结构简单的二元对立的故事情节里。比如《少林寺》,全片最重要的引线就是简单的,小虎"报仇"的故事,而如《太极张三丰》一般,也是一种简化两种对立的情感,化为君宝、天宝两人,作为正义与邪恶的意像,二元对立化地处理情节。其实他们都是以此去凸显武侠片中特有的"武"与"侠",正义与邪恶之类的对立元素。但是,这部经典的武侠片《藏龙卧虎》则不一样,他似反其道而行,把原本简单的,就像东方人浅在理解的,讲的是一个道义压抑爱情的故事,西方人理解的追求爱与自由的"自我解脱"的故事一般。但实则,或许是导演李安为了追求一种从单纯表现"挣扎与妥协"故事,升华到"艺术"的高度上,于是转而加入各种诸如各种感情、欲望、责任、世俗等等的复杂元素,去意境化这个故事。以其中复杂化情节,加深人物的塑造的玉娇龙(章子怡饰演)为例,表面上这个人物代表着"自由"意像,是象征着打破传意识统的枷锁的钥匙,所以一出现,就像是横插在李慕白(周润发饰演)和俞秀莲(杨紫琼饰演)爱情中的第三者。但实则,于玉娇龙而言,她只是做了"好玩"的事,盗剑如此,任性"闯江湖"如此,和罗小虎(张震饰演)的一夜风流如此,甚至最后"本小姐不玩了"的跳崖,亦是如此。那如同开了"金手指"般一帆风顺的"江湖之旅",其实正是一种复杂化情与义抉择的设计,所谓似经典的二女争一男的"三角恋"基本戏码,放到这里,居然变成了为了完成玉娇龙的"立体"人物,再加入一个可有可无的"背景板"罗小虎,去打破经典的"三角"关系。更加造成观众对情节的理解障碍的,还是源于对李慕白这个充满着传统人性挣扎的性格设计,尤其是那一段对玉娇龙"死缠烂打"般收徒的情节,就仿佛一个大写的"渣男"在世,前一段,挣扎在世俗礼教的束缚之下,与俞秀莲明明被"公认"有爱,但却含糊不清地留下一句"也许吧。"而后一段遇到玉娇龙之后,居然一改方端君子的样貌,舔着脸,道貌岸然地以"福气,福气"的理由,去各种纠缠,强求玉娇龙拜师,只是爱惜人才,想传承自家的剑术?恐怕不是,这一段或许就是导演李安意图把"师徒之义"的外衣,披在"情欲推拉"的内里之外的,巧妙半遮半掩的复杂化之举。玉娇龙一句:"要剑还是要我......"似乎就点明了导演李安的根本目的,但是如此复杂化处理,带来的不但是观众理解的偏差,更是一种试图用一本正经大义凛然的儒、道哲理姿态,来包装对于人性深处对欲望的追求和对"新、旧"的诱惑的渴求之态。既是亮点,也是不足之处。用哲理化的武打动作去塑造人物拳拳到肉的"爽"和潇洒如画的"美"而对于武侠片而言,最重要的两大元素之一的武打动作的设计处理,更是体现此类片的精髓之处。而对于武打动作的设计处理来说,一般也大致有两个方向:一是,取"精彩"之道,也就是把武打设计成拳拳到肉般的,或激烈、或暴力、或场面宏大等方向,力求让观众看得"爽",就是最佳典范之作,如成龙、甄子丹等一代"功夫巨星"演绎的电影,都走得是这个极尽放大"武、打",力求叫"爽"的路数;二是,取"艺术"之道,也就是把所谓"武与打"分开,让或华丽、或五彩斑斓、或奇异美丽等兵器、招数,去反向服务于"动作"的走向、对抗,从而达到一种平衡的艺术美感,让观众看得"美",看得潇洒肆意,看着羡慕,如《楚留香》、《小李飞刀》中的武打设计,就是走这种,合不合理,有没有用放在一边,只要"好看"就好的武打路数。而《藏龙卧虎》却创意地加入了诸如"儒、道"等偏哲理化的元素,去融入武打动作的设计,让所谓"大俗"直白的"打",升华成"雅致"富有哲理意味的"武"的文艺作品。导演李安把属于中国古典戏剧的传统表现手法,如以静制动、以动表意等形式与意识融合的表演形式,去融入片中人物的标志性"武功"中来,如李慕白的苍劲,俞秀莲的拙稳,玉娇龙的灵逸,都是一种类似哲理化的设计。但如此偏重"符合人物"一来,其实不免就弱化这个武打动作的合理化和连贯实际化,实际上也是对武侠片中,本应出于核心位置的"武打"的,偏心地打入"辅助"情节的位置上来。导演李安就像个高高在上的文人"士大夫"一般,始终不大认可"武打"元素的"俗",而去打压其中心的作用,企图用哲理化的"雅"去包装"武打"的设计。就像是片中那些美得如画卷般的,诸如江南小院、大漠孤烟、山间竹林、层峦山寺等等,都是为了那看似华丽,意味深长的李慕白与玉娇龙的"大俗"武打交手场景的"雅致"包装。或许在导演李安看来,如此富有儒、道哲理化意味的武打动作的设计,加上带有鲜明东方元素雅致的背景衬托,是两者相辅相成的大俗大雅的互相成就,是此片的精彩亮点之一。但正是如此硬凹般地分割俗与雅的"文人"见解,却反而把武侠片中"武打"的象征意味,套上了一层厚厚的硬壳,把原本独属于"武"与"打"中,那种动静结合,连贯流畅的千变万化的魅力,给人为强行"固定"扁平化为美丽的画卷。从而使武侠片中,原本互为支撑的情节与武打元素,给生生割裂成了两个方向用力的"天、地"之别,连接处的生硬与缺乏的流畅感,只好在情节上找补。也是这部片在拿捏意境化情节与哲理化武打平衡的,主观化不足之处。拿捏两者中,取平衡之道情、义两难全的东方含蓄之美VS打破枷锁,追求自由的西方意识其实于这类武侠片来说,既然情节与武打都是最重要的必备元素,那么任何相对偏颇的一面倒呈现,都是不可取的,真正好的武侠片,也应该是情节与武打相辅相成的融合,互相成就平衡之作。但是出于千人千面,对这类武侠片的理解来说,其实随着时代,导演主观,以及"背景"带来的抱团流派看,都是有较大的偏差的。如当时的黄金港片时代,对武侠片的核心理解,更多的在于中国传统上的情与义的纠葛与对立,大多都是把所谓"正义"的元素与"邪恶"的元素给二元对立起来,让他们之间的冲突一目了然。从而制造根本上的天然矛盾,再加入诸如复仇、对抗元素去讲故事,设计情节,如《新龙门客栈》一般,看似复杂的多重人物关系的纠葛,实际上也不外乎归于"正与邪"的两股力量的立场对决。如相似"背景"从而抱团的流派,如代表者导演王家卫,徐克一般,就是把武侠片中情节与武打的平衡理解上升到,对武打元素的巧妙运用上来,如徐克一般,认为情节的设计是为展现武打动作的魅力服务的,而反过来"激烈"流动的动态武打设计,又是为戏剧化的情节冲突提供"动力",以此带动故事里意境和逻辑的相互支撑。如王家卫的代表作《一代宗师》里,特意把武打动作设计在,有限制的空间范围内,既是为情节冲突演绎,添加魅力,更是凸显中国"功夫"的独特观赏性。于王家卫一派,对武侠片武打动作理解的观点认为,武打动作的魅力,不但在于"力",更在于"巧",于是,越是有限制的空间中,越是能发挥出人体极限之"力与美"的交织,以及那些意味深长的肢体与情节设计上带来的精神对决的魅力,更是在此融合之下的独特武侠片的意义所在。如此,如《藏龙卧虎》般,之所以带来观众口碑和观感的两极分化,或许正是对东、西方文化的难以取舍,对情节与武打动作的拿捏,没有进行相对一致的平衡。既想要东方含蓄美的情、义两难全的"雅",又想包装升华西方式,寻求打破枷锁,追求自由意识的"俗",如此之下,只好去追求把意境化的情节和哲理化的武打动作的相辅相成,却失去了独属于武侠片的流动的畅快感。比如,抛弃了以往港片经典的"构成剪辑"法,就是省去动作形成的过程,选取关键的部分,进行合理化保持速度与变化的平衡,分割动作的连贯片段,加入机位的特写,再重新组合成似一气呵成的流畅打斗。而是为了意境化情节服务去加入,特写外部"画卷"般景色的长镜头,甚至为了构图"美",特意在诸如追逐时的长镜头中,加入一些十分违反人物力学原理的特写,美则美矣,但实则细看之下,那笨拙不堪的空中飞腾、落地、翻转等动作,都显得十分可笑,落于下乘。或许,正是这种李安式对武侠片中,拿捏情节与武打动作之间的平衡理解,才是一种属于真正东、西方价值取向融合的平衡取舍。其实在中国传统的"文人"(士大夫阶层)看来,他们习惯于委婉地,含蓄的,不愿直视地去正视人性的本质,一面想要释放心中对传统道德礼教束缚的欲望,一面又不得不把传统礼教的"面具"给展现给世人看,如此矛盾之下,如李慕白对俞秀莲和玉娇龙二者态度的两面派似的"虚伪",就可见一斑。《藏龙卧虎》试图把一些儒、道哲理用西方人可以"看见"的东方式矛盾冲突呈现,实际上是对"大俗"的迷恋,却碍于各种"礼教",不得不把他们包装成"大雅"的外在表现,为观众所呈现。如此自相矛盾的拿捏与平衡,自然会让观众产生相应的,在理解上的偏差,但却很难去否定对中国传统式文化的认同感,如此,其实《藏龙卧虎》的意像呈现,不管是大俗还是大雅,都是一种李安式对中国传统文化的理解与认同。结束语:其实,于笔者而言,《藏龙卧虎》经典归经典,但感觉总少了一种武侠片该有的"情、义"的内核冲突感,且深入意象化的情节处理,更是带给人一种在理解上的复杂感。且不说对于儒、道学派的理解,本身就极其虚无、玄妙,就说落实在片中人物设计上,更是把俗和雅的冲突放大到了极致,从某种角度上看,里面的人物几乎都是自相矛盾,且失真的。但不得不说,整部片,不管是人物还是情节、背景的设计,至少都美的像一幅画,赏心悦目之下,还有极致应景的配乐,双重的感官刺激下,瑕不掩瑜。所以,李安还是那个李安,经典还是那个经典。

    2020-05-21
  • 曾经的感动,容易被忽视的港片佳作,记忆中的15部“江湖”电影

    香港早期的电影对于很多人来说都是不能忘怀的回忆,在一些人的记忆里,看到那些电影,便会想起那些曾经。亲情、友情、爱情,这些电影都给他们添上了一重豪情。你的记忆中是不是也有这样一部“江湖”电影呢?1《江湖》说了你又不听,听了你又不懂,懂了你又不做,做了你又做错,错了你又不认,认了你又不改,改了你又不服,不服你又不说!你要我怎么说你呢?本片曾为黄精甫带来金像奖最佳新晋导演奖,不过影片却没有因此而扬名立万,犹如很多港片一样很快消失在我们的视线中。无论提及刘华还是学友的作品,这不很少会被人想起。作为一部很棒电影,《江湖》在描写情感方面做的很突出,无论是少年翼仔和铁臂、就哥和左手哥的兄弟情,还是YOYO和翼仔、就哥和太太之间的男女情,都无疑是对影名江湖中情义的最好诠释,而江湖除了情义还有金钱权利这些触及人性的更为复杂的东西,影片两条线的对比,又再次诠释了江湖的多变与复杂。江湖的英文译名是兄弟,更像是一种呼唤,江湖没有笑容,兄弟应有情义。2《赤脚小子》本片不似其他武侠大片那般讲究大格局、大气势及夸张惊人的武打特技效果,而是深入省视小人物的心理及社会问题的层面,处处于细微处以小见大,这与杜琪峰后来得享盛名的一些如《暗战》、《枪火》等讲究精致与深刻、而不求场面宏大的枪战片特色是保持一致的。影片虽然悲情,但剪辑、画面、节奏的处理却很轻快,打斗的设计精巧,演员的表演也很棒,虽有极尽渲染末路绝望与悲情之嫌,不过也确实令我有几分感动。影片的插曲也堪称经典,《等你回来》和《留下句号的面容》都很不错,3《龙在江湖》台词:我看了这一眼不会回头再看了。近来这部影片似有翻身的趋势,不过在很长一段时间里,貌似就连华迷也不曾认为这部王晶的作品很经典,有人说剧情老套,有人说刘德华的表演不成熟,甚至有人直接说这个名字太俗,但我觉得这些都不是拒绝这一部佳作的理由,名字其实也算不上屎尿屁,相反龙在江湖,身不由己倒更贴近了剧情,刘德华的表演也足够优秀,毕竟早年有过《旺角卡门》的历练,同样是悲剧不知为何龙比旺要更令我感动,《龙在江湖》里男人的身不由己、爱情的纠葛与无奈,亲情的落寞都是附在黑帮这一外套下的种种泪点。在这部多少有些男权色彩的影片中关秀媚饰演的Rubby充满悲情意味,让人怜惜。在那些年刘德华结尾惨死的黑帮影片中,《龙在江湖》给我的感动甚至多过了《天若有情》《龙在边缘》《旺角卡门》,当结局《你是我的女人》响起,多少人都曾心头一颤。4《一刀倾城》台词:黑旗军,力万钧,杀外敌,保家国。挥不掉英雄泪,忘不了家国恨。喝不尽杯中酒,唱不完别离歌,放不下手中刀,杀不尽仇人头。影片以戊戌变法为背景,赤子爱国情怀贯穿全篇,在物欲横流饿的今天,此片所给予的思考难得可贵。片中的男子气概至今足以令人热血沸腾,而台词简洁明快、意境深远且饱含哲理,可以说是字字有意、句句耐寻,再配上古典的旋律和特定的历史场景和情节,很有感染力,让人回味无穷,久久难忘。全篇所表达的热血情怀也在主题曲《血像火》中得到了完美体现。5《至尊无上之永霸天下》真正给我触动是王杰,命运就是如此,帮助你得到一切的也许恰恰就是导致你失去一切的,所以仇飞将亚洲第一快手一刀斩下,毫不犹豫,义无反顾,眉头都不曾皱一下。他喉咙里发出轻微的“呵呵”声,他沉痛地砍掉这只手,这只手助他生财载誉,这只手害他一生孤苦,他就是要砍掉这只手。他有女儿了,他早已倦了,他早已变了,他那冷漠面容后掩藏着眷恋,眉心和嘴角的皱纹下是万千柔情,他不能带着这样小和无助的小东西重蹈覆辙。他别无选择,他摒弃前半生苦苦追寻的全部的尊严,只愿换回平静生活,远离是非,做个酒保,赚点小钱,入夜早早回家,和女儿相依为命。那就砍掉它,留下它,忘掉吧。疾愈闪电的亚洲第一快手,当年快意恩仇的热血少年,一言不发。可是,放不脱,冲不出的,他早已身陷重围,身不能主,砍掉了这只手,砍不断千丝万缕的过去,忘不掉深镂入骨的恩怨,脱不开沧海桑田的江湖6《白玫瑰》在香港文艺片的导演中你可能不曾听过赵良骏这个名字,而在和张曼玉搭演爱情戏的男演员中你可能也不会想起张耀扬这个名字。有些片子就是真正的好东西,一直在那里,不曾随时代的变迁所褪色、过时。影片所刻画给我们的是一个都市中男女的寂寞、缺乏安全感的灵魂,开头就渲染出一种都市没有人情味、界限分明的状态。黑帮大佬与都市白领的爱情故事更像是这个都市里少有的温暖。张曼玉不知多少次爱上了黑帮大佬,故事可能老套,但这段猪扒饭的故事却足以让人刻骨铭心。虽然最终仍是黯然散场,但残缺的美好却更让人回味。都市白领不能配黑帮大佬,但是张曼玉却可以配张耀扬。张曼玉热烈果然,张耀扬铁汉柔情。两个人相得益彰。赵良骏如此大胆的搭配,毫无违和感。或许这段感情就像叶玉卿在片中所唱是都市里——挡不住的风情7《福伯》台词:许多人都看不到生命中美好的一面,那时......活着和死亡就很接近。黄精甫的一部CULT制作,可能对于此片陌生的话,相信不少吧友一定看过他的另一cult片《复仇者之死》,总归都是那种一黑到底、压抑感十足的黑色电影,比起复仇者之死,《福伯》显得没有那么多的噱头,从制作规模、演员阵容和拍摄手法,都可以看出是部新人的小制作,但却是十足的诚意之作。影片情节惨烈,镜头的变换十分衬合人物心态,对于不喜欢过于血腥、恐怖电影的我来说也充满着吸引力,全篇全部关乎死亡,主题如色调一样黑暗。端立于生死之间的三个人,以不同的姿态面对着死亡这一主题。 虽然在有些表现手法上过于注重感觉,但总的来说这部影片在良莠不齐、泥沙俱下的cult片中,还是十分值得一看的。8《我要富贵》台词:“因为你是我的儿子”这是姜大卫导演的一部一干黄金配角出演的轻喜剧,不过那个年代还并不是家有喜事系列圆满喜剧独大,如当时很多喜剧一样,每到结尾,每到深处,都能给人想哭的冲动,或许是当时我看这部电影是恰好父亲出了点事,更能感同身受吧。。。慈父出败儿 骠叔演绎的这个父亲的角色绝对是伟大父亲的代表,姜大卫用熟悉的画面,甚至老套的剧情刻画出社会逼迫有为青年复仇的苦情戏。。。一部被遗忘的现实主义佳作。姜大卫作品里一向具有关注弱势群体的情怀,有人说他苦大仇深,或许是得了张车的真传角色必须死一票,但比起张彻武侠世界略与现实疏离的恩怨情仇,姜大卫显然更贴近了生活,或许待我七老八十再看张彻的武侠片已不再热血,但姜大卫那些社会情怀的作品带给我的领悟与感动却是连绵不断的。9《伴我纵横》台词:兄弟如手足,女人如衣服。后英雄本色时代的一部讲述兄弟情的影片,虽不像英雄本色那般令人热血澎湃,但是充满了那时港片的单纯与稚气,整个影片就是那个时代港片真诚的缩影。 影片讲述的兄弟情至少也是值回票价的。当大B从监狱里出来,江湖习气被洗净之时,城郭早已物是人非,他剩下的唯有他的小弟,可是那是江湖的兄弟情绝不是这么平淡收场,最终大B死在嘉华的怀里,兄弟之情溢于言表。对于20出头的我来说,是很容易被这种热血沸腾的兄弟情所感动的,也很容易产生那种无休止的代入,转眼我也要进入大学的后半阶段了,以前的兄弟如今也都天南海北,毕业后很可能又是这样的状况。现实生活里的兄弟情虽不如电影里来的那么热烈,但细水长流,真的需要人好好珍惜。10《都市情缘》两首歌均出自——卢冠廷台词:这个世界有些事情你可以骗人,甚至可以骗自己,但有些事情你是骗不了别人的,就是你自己的眼神...刘镇伟是香港影坛不可多得的喜剧鬼才,但作为王家卫的好朋友,刘镇伟拍摄的《都市情缘》一点也不逊色。但这部电影显然并没有被太多的人经常提及。众所周知王家卫的电影经常会运用大量主人公的独白,而在这部电影里,刘镇伟也展现了自己运用独白的功力,切刘镇伟的独白不同于王家卫,没有刻意去营造一种主人公的落寞与孤独,而是试图通过主人公的独白召唤观众的共鸣与感知,就这点来说《都市情缘》是一部与观众有交流的电影,它能带给你的感动不如《重庆森林》《堕落天使》那么难以捉摸,而是让你真切感受到的。或许这只是一个俗套的穷小子与富家女的爱情故事,但那种情境下的感动确实全然无法阻止的。很多落寞青年都愿意去拜赏王家卫的作品,在我看来《都市情缘》却更合适一些,王的东西太个人,属于主角自己,或许你看完也无法得到宣泄,但如若去拜赏《都市情缘》里黎明信仰般爱情坍塌的落寞,或许会得到更多的共鸣。11《半支烟》爱后余生——谢霆锋台词:以前我以为,得不到的东西,一辈子记住她就行,但突然有一天,老天爷突然跟你说,我就是记也不让你记,你能怎么样?叶锦鸿导演作品,如同他的其他作品一样也在讲青春的故事。他很聪明的给这个青春爱情故事披上了黑帮斗争的外衣,故事的背景设在“九七”香港回归之后的旧殖民地,那时的港人是普遍缺乏安全感的,没有安全感就很容易陷入自己设定的幻想当中,影片当中的下山豹就是这样的人,以为自己已经成为想象中的自己,以为臆想中的故事在自己的生命里真切地发生过。而当他真正寻找到自己幻想中的女孩时,却会在恍惚间忘掉自己此行来的目的,但终归一件美好的心事得以了结。其实无论是梦还是真正怀念的曾经,他都曾真切发生过在我们脑海里,都是我们的记忆,只是时间的冲刷,我们模糊了真假,大多时候这些记忆就如同半支烟一样,燃烧起来不过寥寥,在时间面前又有谁能够对曾经的梦,曾经的美好,不死心,不放弃呢?或许有朝一日,我们也都将成为为自己编织美好故事的人。12《风雨同路》让我知道——周慧敏台词:我可以不出来混,可以放弃一切东西,可是不能没有你很多人都喜欢周星驰的无厘头喜剧,而且不愿意去看其在之前拍的一些枪战片。《风雨同路》便是被忽视的一部佳作,其实对于周星驰来讲演枪战片一向没有太好的结局,他的外形不算特别俊朗,身形也不高大,往往都会落得惨死的下场,而且拿他后来的作品来看的话,甚至他无法演一个正派的英雄角色,但周早已证明过自己是真正的演技派,人们总是忽视周在早期枪战片中的优秀表现,周后来专攻喜剧也是有些许遗憾的。《喜剧之王》里周不断向观众宣告:其实我是一名演员。我想其潜台词应该是:我不仅仅是一名喜剧演员吧。《风雨同路》中周用其高超的表演技巧诠释了一个两面为难、有情有意的卧底角色,他在出卖朋友与维护正义以及挽救爱情中的挣扎,极具感染力,很容易令人感同身受,这一切都源于周成熟的表演功力。另外,影片中的周慧敏曾是我长久以来YY的女友对象。13《望夫成龙》梦幻的心——卢冠廷曾经太年轻,却绝对真心。写完了上面那部,就想到了《望夫成龙》,同样是周星驰的非喜剧,《望夫成龙》更为平淡,很多以喜剧态度观赏的人很可能会看不下去,但影片描述的平淡的爱情,却能给人些许感触,婚后的生活,于我而言,还有那么些距离,但是如同影片里给出的激情、欢喜、淡漠、疲倦,这似乎是必然的过程,生存的压力往往与婚姻同期而至,真正的爱情往往经得住考验,男人落寞之际,女人可以不离不弃,男人光鲜亮丽依然可以对女人生死相依,这恐怕是周带给我们平凡小夫妻最完美的爱情,周的电影里很多时候缺少能够打动人的女主角,吴君如在这部电影里做到了很多星女郎不曾做到的事。14《天与地》台词:我们做人生活已经有太多挫折,我们生命中,不应该再有这么多妥协酒,有时候是给你提神,不是给你喝醉的《天与地》上映后,票房惨淡,刘德华创建的天幕公司血本无归,不久不得不将公司抵押给台湾片商。我想,刘德华之所以投拍这部不怎么符合大众趣味的电影,也是有着理想主义的成份在,不甘于这部影片落于平常商业片的窠臼。最终,他和影片里的张一鹏一样,都落得了个在现实面前头破血流的结局,这也给《天与地》更增添了一股悲壮的意味。很多人说《天与地》看不懂,其实无非是与青春、梦想、人生的抉择有关,我们难以理解的不是故事本身,而是故事背后所透析的一种美好年华不再的唏嘘,一种往事回首不堪悔恨,或者,是一份欲哭无泪的无奈,另外《天与地》也背离当时大多港片中,主角虽然悲情阵亡,但也完成了报仇大业的套路(喋血双雄、天若有情、包括上面的龙在江湖),这无疑挑战着观众长期形成的审美情趣,票房失利实属正常,但也恰恰是这个结局震撼到了我,没有这个结局,这将是一部无法打动我的影片,刘德华的《忘情水》也无法每次触动我的心底。15《烈火街头》看到演员表,我相信大家都已了然,这部电影不会闷,不会缺乏激情,自然也不会儒雅,不会有太多内涵。两名算不上巨星的实力打星,以最简单粗暴的街头方式演绎了一出粗口横飞、枪战、肉搏应有尽有的港产CULT动作片。我相信喜欢港片的大多都会喜欢这样的片子,简单直接,有情有义,有笑有泪,没有半点拖沓。钱小豪和邹兆龙在里面甚是基情。影片显然是产于那个黄金年代的典型港片,不求品质多高,内涵多深,但求看得舒服,套用一句著名的话:尽皆过火,尽是癫狂。

    2020-05-21
  • 王晶翻拍《西游记》,烂片预定,唯一看点是蜘蛛精

    王晶,香港导演,导演过近400部的电影,30多部电视剧,可谓是导演届是泰山北斗,被称之为鬼才导演,虽然风评不是很好,但是实力却无不让人敬佩。他可以拍出2.9评分的大烂片《降魔传》,也可以拍出8.5评分的《九品芝麻官》,曾经也导演过一系列如今奉为经典的好电影,如《赌神》系列,《逃学威龙》系列。不过,现在的王晶拍的电影,大多都是烂片,他自己也知道,王晶曾经这样回应过,能有票房的电影,就是好电影。这句话其实没错,众所周知,王晶非常热衷于拍商业片,而且拍的非常快,一部电影可能1、2个月就拍完了,一年可以拍好几部,而且也非常轻松,但是,拍一部好电影,那就非常费时费力了。王家卫《一代宗师》是好电影吧,实际拍摄时间是09年拍到12年,拍摄时长4年,这还不算什么,最可怕的是这部电影是从2001年就已经开始筹划的,梁朝伟学了1年咏春,只有三场戏张震也学了3年八极拳,王家卫自己用3年去拜访全国上百名各种门派的武术家,真正的十年磨一剑的好电影,当年还差点被禁,为了上映的还被删减得不成样子,就这样的好电影,10年给王晶他直接能拍上百部电影,可以赚多少钱了,这种吃力不讨好的事,他才不干呢!近日,王晶公布了自己的新电影《孙悟空大战盘丝洞》正式定档,在线上上映播放。王晶还表示这是第一次拍的西游记,终于完成了儿时的心愿。但是看到孙悟空的扮演者,瞬间没有想看的冲动了。没错,就是他,陈浩民。陈浩民近年来主演的电影电视剧一点都不能看,如《新封神姜子牙》2.9分,《新河东狮吼》3.5分,《齐天大圣之火焰山》3.7分,《唐伯虎点秋香2019》2.8分,穿梭在各种网大之中,拍摄各种烂片,不知道为什么一直都有人请他拍烂片,一年也是要拍好几部那一种,跟王晶的烂片精神高度吻合,不是演不出好电影电视剧,当年的《天龙八部》段誉可是让他吃了一辈子的老本啊。演段誉的时候,可谓是神颜,但是,现在我一看到他那僵硬浮肿的脸,我就知道这绝对是一部烂片。但,当我看到蜘蛛精的时候,觉得这部片也不是完全没有看点的,王晶的电影,当然少不了晶女郎了。而且还是盘丝洞呢!当年的晶女郎可是捧红了一大堆高颜值美女,如邱淑贞、朱茵、翁虹、舒淇、景甜等,虽然现在质量有所下降,但应该也还能看。所以,这部电影,你会看吗?为什么?

    2020-05-20
  • 《月光男孩》凭什么获得奥斯卡最佳影片?不谈政治,聚焦成长故事

    《月光男孩》是巴里·杰金斯执导的剧情影片,讲述了Chiron从孩童到青年时期,逐步发现自己的性取向,经受外界非议和内心挣扎后,找到真正自我的故事。该片于2016年10月21日在美国上映。2017年2月26日,《月光男孩》获得第89届奥斯卡金像奖最佳影片奖。2017年11月,《帝国》杂志评选2017年十佳影片,该片排名第4。2019年9月,该片被英国《卫报》评选为"21世纪最佳影片100部",位列第8名。作为一部极具个人风格的文艺电影,《月光男孩》交出的成绩单是足够亮眼的,不是那么地合奥斯卡的胃口却一举囊括奥斯卡最佳影片,这并非政治正确的胜利,而是影片自有它夺目的价值。弱化宏大背景,聚焦内在情绪《月光男孩》的主题很具话题性,涉及黑人与同性恋,但在如此具有争议性的背景之下,影片却没有牵扯到任何的种族歧视,同时也不作为一部同性恋电影。影片所使用的几乎都是黑人演员,缺席的白人角色让故事的发展显得理所当然,导演无意去批判任何现实性话题以及激起所谓群众愤怒,他只是利用电影把一个小人物的一生娓娓道来,试图去探寻其心底的秘密。相较于同为奥斯卡最佳影片的《绿皮书》,本影片对于黑人主题的叙述与其完全不同,在《绿皮书》中,我们看到的是两个种族之间的激烈碰撞,黑人音乐家对于肤色的声嘶力竭与焦灼呐喊,但在《月光男孩》里,导演把人物的黑人身份淡化,甚至刻意避而不谈任何黑人所经历的大背景与社会问题,将目光聚焦在细微的个体,呈现大背景下的小故事,这种叙事方式极具导演的个人风格。作为影片的另一个主题,同性恋也似乎只作为人物的一个简单特征,并没有被特别提及,纵观整部影片,与同性话题扯上关系的也只有那么三几个场景,大部分时间里,影片想要表达的还是一个男孩成长在毒品与暴力的环境之下,对于安全的追求与渴望,影射了社会的动荡不定,所以同性恋更像是作为一个符号印记存在,象征着人对爱的渴求。影片受《最好的时光》影响,导演采用了三段式的叙事方式,分别叙述人物在三个不同阶段的生活状态。所有的故事情节,都平淡得像清水寡淡,没有起伏转折,人物也不具备艰难抉择。导演采用了最简单的线性叙述,却有能力让观众深入人物的内心感受心头一震,频繁使用的主观镜头,晃动的画面,导演都在强迫观众用Chiron的视角去看去感受,虚焦镜头营造画面的迷离感,隐喻人物的封闭与压抑,导演用独特的电影语言让观众深入内在情绪,挽救了离散叙事造成的情节上的薄弱。导演将影片设定在极具有争议性的背景之下,却把这两个主题都同时弱化,而聚焦在一个男孩成长的内在感受,这也正是这部电影最有价值的地方。利用蓝色大海见证人物成长《月光男孩》还有一个译名,叫《蓝色月光》,蓝色作为主色调始终贯穿在影片当中,Juan的蓝色汽车,无垠的蔚蓝大海,居家布置,蓝色的灯光照明,清淡梦幻,营造出一种迷恋虚幻的氛围,契合着人物被悲伤气息缠绕的一生。在影片中,Juan说黑人叫布鲁(Blue),蓝色就像是黑人种族的一种灵魂色彩,它有着忧伤的情绪,同时也象征希望。结尾月光洒满湛蓝大海那个镜头,画面充斥了深蓝的灵动,无边无际,黑人是蓝色的,那个回眸,是对自己人生的回顾与认可,是对未来的憧憬与希望。蓝色同时也是大海的颜色,影片中,大海作为重要意象主要出现了三次,分别在三段故事的叙述里,第一次在Chiron的幼年时期,Chiron和Juan坐在海边,Juan跟Chiron讲月光男孩的故事,那次是Chiron通过别人去认识自己的身份。第二次,Chiron的青年时期,他和Kevin相互依偎坐在大海前,他们接吻爱抚,那是Chiron通过自己去直面真实的内心,表达自己的爱意。第三次,影片的最后,成年的Chiron变回小孩站在蔚蓝无垠的大海前面,他回过头,深邃的瞳孔望着镜头,像最初Juan告诉他的故事一样,黑人在月光下是蓝色的,那一刻,Chiron知道,别人不能帮你做任何决定,能决定你是谁的只有自己。导演通过大海这个意象,见证了Chiron成长的变化,从最初的懵懂到最后认识接纳自己,这些年来,Chiron的外表变了许多,但导演在最后又让他变回最初的模仿,这就像是他设置的一个与自己和解的过程,他的内心一直都是那个年幼的孩童,坚持自己最初的信念,从没有改变。对王家卫风格的致敬《月光男孩》这部电影还有一个离不开的名字,就是王家卫。整部影片里,我们可以看得到导演对于王家卫的致敬,其中个别镜头也让观众有在看王家卫电影的恍惚,包括在公路上那幕,导演就运用了王家卫的电影《春光乍泄》里的配乐,Cucurrucucu Paloma。王家卫是一个极具个人化特色的导演,巴里在他的影响下,也在逐渐形成自己的异常风格化。影片对于王家卫的致敬,最直观的可以从色调上看。王家卫的电影有很统一的整体色调,他喜欢运用强烈梦幻的色彩去冲击观众的眼球,像《春光乍泄》里的蓝色与黄色,《花样年华》的红色,在《月光男孩》里,Chiron的母亲站在走廊里的镜头,玫红色的色调增强了画面的饱和感,冲击着观众感官,与墙壁的浅色系产生了明显反差,很有王家卫式的韵味。在构图上,我们也可以在影片中发掘导演对王家卫的大量致敬镜头。像Chiron在车厢那幕对应的就是《春光乍泄》的最后黎耀辉搭乘列车;Chiron与Kevin重逢时在餐厅相对而坐用餐的镜头,对应《花样年华》里周慕云与李丽珍在茶餐厅里互通有无;影片结尾,幼年的Chiron面对茫茫大海,也可以从《阿飞正传》里阿飞的母亲面对大片天空彩云的镜头中找到出处。不难看出,《月光男孩》受王家卫的影响的确很深刻,导演自己也提及他是王家卫的影迷,也许连他自己都不知道,某些王家卫的风格化影像已经深入进他的思维里,用以帮助自己的表达。除此以外,《月光男孩》的意识流式叙事,丰富的镜头语言,都与王家卫的影片具有或多或少的类似性,我们读得懂导演致敬的用心,同时也看到了导演在此基础上逐渐形成的个人风格,具有类似性但却是导演自己的东西,《月光男孩》为近年来的奥斯卡最佳影片提供了新的可能性,我们也相信此类光怪陆离的艺术电影会在将来获得更大的认可。

    2020-02-28
  • 诗与电影:电影中的诗歌和讲诗人的电影

    在所有文学体裁中,诗歌是跟电影距离最远的一种表现形式。相比于小说、戏剧等形式,更关注抒情性和美感的诗歌彷佛与电影先天缺乏缘分。在台词多口语化的电影剧本中,贸然出现诗歌,可能会突兀地打电影本身的风格和节奏,抑或者将观众的注意力全部吸引到诗歌本身。那么,当诗歌和电影,这样一对先天不登对的组合遇上时,到底又会摩擦出怎样的火花呢?电影中的诗歌美国导演玛雅·黛伦曾说:“剧情的发展是横向的,但在一个偶然的瞬间,会出现一个纵向的金字塔,在莎翁的戏剧中这是独白,但在电影里,这是诗句。”小说是延展的,可阅读的,但诗歌是浓缩的,需要感情的领悟。一部小说可以用动辄几千上万字去描写人物的心理活动,但电影却无法用几十个镜头和多余的心理空间。此时,如果能恰到好处的出现一两句诗,便能起到事半功倍的效果。比如电影《奔腾年代》中,就用著名诗人艾米莉·狄金森的诗句:“我们不知道自己有多高。”来暗示男主角瑞德·波拉德远大的理想。《奔腾年代》电影《不伦之恋》中,曾多次出现威廉·布莱克和费朗罗的诗句。其中威廉·布莱克那首《天真的预兆》中:“乞丐的狗、寡妇的猫,喂一喂就长膘。”曾先后两次出现在“弗兰克之死”这个悲剧发生前后。而在结尾之时,又出现了他的“有人让我们相信谎言,当我们放弃用自己的双眼。”威廉·布莱克的诗歌多通过事物来预示不详,格调阴暗,十分适合暗示悲剧。而费朗罗的诗歌则更加能被大众所接受,出现在影片结尾的“一个男孩的意愿便是风的意愿,青春的思绪便是长大的思绪。”不仅表达了马特一生丧子之痛的哀伤,也为他内心不曾升华的仇恨提供了反差。《不伦之恋》当诗歌在电影中不断出现时,往往能暗示整个电影的基调和主题。如电影《星际穿越》中,当末日袭来,所有人的情绪都陷入恐慌、迷惘,映衬在宇宙、时空的洪流下,多少镜头和台词都无法概况这种情绪,此时还有什么,能比那首《不要温和地走进那个良夜》,更能表达这种莫名的情绪?又如还有什么,能比那首气势如虹的《尤利西斯》,更好地表达詹姆斯·邦德那英雄迟暮,但壮心不未的情怀?“但我们仍是我们,英雄的心。/尽管被时间消磨,被命运削弱/但我们依然,奋斗、探索、寻求,而不屈服。”《007:大破天幕杀机》中的诗句,充满了悲壮的英雄主义气息当充满了绝望气息的《超脱》迎来结尾时,又还有什么,能比艾伦坡那首更让人绝望的长诗,更加压抑和脆弱呢。面对满目疮痍的教室和内心,亨利喃喃自语:“我的灵魂失语了/我的心在冷却,下沉/显出疲软的病态。”《超脱》结尾的诗句,饱含深意即使是注重于喜剧领域的《非诚勿扰2》,也曾在结尾的追悼会上,不失煽情地引用仓央嘉措的《见与不见》,去多一些对人生和哲学的探讨,为影片在意境上有所增色。而中国璀璨的诗歌历史和文化,则为电影台词的创作提供了大量宝贵的素材。散发着浓郁东方风格的《加勒比海盗3》,借周润发的口,用李白那首壮阔的《关山月》:“明月出天山,苍茫云海间。”来比喻海盗们流离失所的海上生活。而老电影《一刀倾城》中,则反复出现谭嗣同的诗句:“我自横刀向天笑,去留肝胆两昆仑。”不仅极好的呼应影片主旨,也让主角王五、谭嗣同的舍生取义更加深入人心。当然,不论是暗示情节还是呼应主题,诗歌都不是唯一,甚至不是主要的手段。对于大多数电影来说,这个使命更多由背景音乐或者场景摄影承担。但比于音乐或者摄影来说,语言都不如它们更加直接,需要观众再经过一次转换和领悟。而这个效果则又取决于观众的文学素养,如果观众本就有较高的文学素养,自然可以联系上下文并得出自己的体会,但如果观众的文学素养有限,则会无法领悟,反而让观众摸不着头脑。所以,对于电影来说,出现在其中的诗歌,毫无疑问是把双刃剑,用得好能点睛,用不好则显得矫情而又多余。讲诗人的电影和大量音乐家、商人或者历史人物相比,讲述诗人生平的电影实属凤毛麟角。诗人这一明显带有个人天才和内在情感表达的形象很难和传统荧幕英雄类型扯上关联。同时,和画家、音乐家相比,前者的创作成果更容易直观地呈现在观众面前,但诗歌却不然。在普通的电影中点缀诗句,是一种台词的创作手法。但诗人的传记片需要的,是堆砌大量的诗歌,由诗歌到人,来表现诗人的内心世界。在这个时候,诗歌就成了整个电影的核心和必需品。所以很多描写诗人的电影,并没有用过多的笔墨去诠释文字中的世界。如拍摄于1994年,讲述艾略特的电影《诗人和他的情人》,影片并没有去过多阐述艾略特如何在爱人的陪伴和帮助下写出了那首旷世巨作《荒原》,而是更多以女主角薇薇安的精神状态去入手,对这段恋情和它结出的果实进行隐喻:“男人们禁锢了那个女人来获得自己的自由”、“男人们在禁锢那个女人的同时也禁锢了自己的自由”。 讲述艾略特的《诗人和他的情人》在由《泰坦尼克号》一炮而红之前,莱奥纳多·迪卡普里奥曾主演过两部关于诗人的传记片。《篮球日记》描写了少年吉姆在篮球梦碎后,如何在亲友的鼓励下提笔写作,用日记的方式创作,并完成自我拯救的过程。整部电影更像是一个典型的个人历程,却鲜见关于诗和诗人本质的探讨。同年的《心之全蚀》中,小李子则扮演了著名的天才诗人兰波,讲述了他不羁轻狂的少年时代以及和魏尔伦的不伦之恋。影片大胆而前卫地讲述了这段堪称禁忌地恋爱,并用了引用了许多兰波的诗句来烘托这段感情对于兰波创作的影响,但却缺乏足够的深度,引用的那些诗句给观者而言,也像兰波那迷一样的人生一样,越发让人捉摸不透。《心之全蚀》2009年,澳大利亚女导演简·坎皮恩用一部《明亮的星》,呈现了英国诗人约翰·济慈短暂的一生。影片着重讲述了了济慈生命的最后三年以及他和邻家女孩的凄美爱情,精致唯美的画面配上济慈优美浓郁的诗句,为我们还原了这个“将名字写在水上的人”,那如烟花绚烂而脆弱的人生,那颗明亮的星,激发着他的创作欲望,让不朽的诗歌通过语言保存下来,成为我们珍贵的遗产。《明亮的星》在国产电影中,关于诗人的电影寥寥可数,且大多乏善可陈。如改革开放时期的《李清照》、《风流千古》,本世纪初的《王勃之死》,都中规中矩。其中可堪一说的是《王勃之死》,影片极力地想追求诗歌“美的境界”,并着力用诗歌去串联那秋水共长天一色的意境,但却本末倒置,过渡追求画面和台词的意境美,而忽略了电影的本质——叙事。进而使得电影在节奏和叙事方面显得非常羸弱,让读者在读完之后,脑海中仅仅剩下了那一幕幕荒凉凄婉的场景。要知道,想要与如此的意境相匹,就必须要在故事上满足观众的期待。对比于不是讲诗人的《春光乍泄》、《蓝莓之夜》,很显然,王家卫更明白也深知,最美的意境其实潜藏于观众的共鸣和想象中,而不是画面。死亡诗社在所有讲述诗人的电影中,最出色的作品莫过于《死亡诗社》,虽然其中的角色和故事均是虚构,但却用一位热爱诗歌的老师,通过他用诗歌影响学生的历程,让我们充分领略了大量经典诗歌的魅力。整部电影穿插了大量的诗句,但却流畅自然,没有丝毫的出戏和矫揉造作,反而让观众跟随着主角基廷老师的视角,通过他对诗歌的热爱去影响学生,最后反向渗透到了观众的心中,整部电影诗意盎然,无疑是“诗歌+电影”的最好结合。让电影充满诗意讲诗歌的电影,一定要有诗句,但有很多与诗歌无关的电影,却充满了诗意。通俗来说,就是它们都带有诗的境界,千言万语,百转千回,最终却都浓缩到几个空远的镜头中,让人回味无穷。如《卧虎藏龙》中光影摇曳的竹海,《花样年华》中欲言又止的留白,《红高粱》中充满野性的土地,都是中国电影人,充满诗意的浓缩。《卧虎藏龙》而在世界影坛中,能将电影拍得诗意盎然的“电影诗人”更是不在少数,大名鼎鼎的费里尼、塔可夫斯基、戈达尔等都堪称是最为出色的电影诗人。《大路》结尾空旷无人的海滩、《八部半》中充满魔幻气息的过场,《索拉里斯》中巧妙的暗喻,都是电影史上不朽的经典。《八部半》对于“电影诗人”来说,他们都不再满足于讲一个好故事,而是希望能借故事本身,传达一种境界和精神。他们开创了独特的电影风格,也为自己赢得了崇高的地位。出现在电影中的诗歌,往往是让人在一眼之间,心领神会,画龙点睛。但电影的诗意,却是一种自然而然的气质,使得电影的镜头语言、故事结构,都能够成为诗化的表达。这不仅仅是一种技法上的磨练,而是一种与生俱来的气质,源自于电影创作者,内心的诗意盎然。而这也是电影和诗歌的结合,最美也最恰当的方式。

    2020-02-24
  • 港片趣事:刘德华、张学友首演兄弟,张曼玉借这部电影转型玉女

    011988年熬了六年的王家卫在邓光荣的帮助下首次独立执导电影《旺角卡门》,同样也正是从这部电影开始,王家卫对四个字的电影名字以及张曼玉都痴迷不已,从那以后他便有了“四字狂魔”的江湖别称,而张曼玉则和王家卫又接连合作了《阿飞正传》与《花样年华》两部经典电影。如果说《阿飞正传》、《花样年华》、《堕落天使》这些四个字的电影名字,还可以让观众能够摸得着名字背后的含义,那《旺角卡门》就真的有些不知所以,王家卫曾经说过这部电影的名字是由两个部分组成,而这两个部分便是男人和女人。代表男人的是旺角、表达女人的是卡门。旺角位于香港九龙西部,一个被人工造起来的小小海角,这里便是电影中几位主角生活的地方,也是一个黑社会糅合的法外之地,不打、不狠就没有出路,这是男人。《卡门》是一部歌剧,是一部主要描写女人的歌剧,它的主基调是悲情是想要得到爱情却最终一无所有的悲情,与阿娥(张曼玉)的结局、宿命都颇为相似。所以旺角+卡门代表的就是:阿杰、乌蝇的命运+阿娥的命运,也是那个时代最为典型的两种男女命运:混沌下的社会男孩+追逐自由爱情的单纯女孩。02张学友在1995年演完《鼠胆龙威》以后宣布短暂的宣布退出影坛,专注音乐,所以很多年龄稍小的人对张学友的第一印象停留在了唱歌,然而在90年代的前半页,张学友出演了很多经典的电影作品,他的表演天赋,直到如今依旧会被很多人冠以“被唱歌耽误的影帝”。1988年张学友还凭借这部《旺角卡门》首次提名金像奖“最佳男配”并最终获奖,张学友饰演剧中的男二乌蝇,一位跟在大哥阿杰后面混的小弟。而就在这部电影中,张学友贡献了一张风靡至今的表情包和一句经典的港片台词(如下)。张学友对万梓良说这四个字的片段,就这样成为了上世纪香港黑道电影里被永久珍藏的一副画面,以及如今被常常使用的表情包,这是张学友无论如何也没有想到的。03离金像奖影帝最近的一次,便是《旺角卡门》里的阿杰一角,其后我们看到的刘德华出演的黑道角色,常有的几个表情:凶狠的眼神、砍人时微微颤栗的嘴巴、以及叼烟的姿势等表演方式基本都是出自《旺角卡门》。但很可惜,那一年的影帝之争中,刘德华输给了八十年代如日中天的洪金宝和他的《七小福》,同样输给洪金宝的还有着出演《胭脂扣》的张国荣。其后刘德华在92年用“雷洛”、96年用“阿祖”再两次提名最佳男主却都铩羽而归,直到2000年刘德华凭借《暗战》终于拿到了自己的第一个金像奖影帝。04张曼玉1983年凭借选美出道,1984年出演电影,这是那个年代里漂亮女孩最常走的一条路线,但看起来不那么性感和美丽的张曼玉,却要注定很难成为常规花瓶式的角色。1988年张曼玉演了这部《旺角卡门》,正是这部电影让张曼玉找到了适合自己的表演风格:纯情玉女风,从此张曼玉完美的从花瓶过度到了演技派,第二年便凭借《旺角卡门》提名金像奖最佳女主,然后1989-1990一年不到的时间里,张曼玉实现金像、J马双影后。其后刘德华也曾经说过:自己最喜欢的女孩子类型,大概便是《旺角卡门》里的张曼玉这种。05最后说说故事,《旺角卡门》这个名字很热,但真正看过这部电影的人其实并不多,这源于这部电影那一年本身的票房就很一般(当年排名第32位),其后碟片的销量又很一般,再加之刘德华、张学友、张曼玉包括王家卫,他们在这部电影之后都有了更多全面压倒《旺角卡门》的作品,自然这部电影也就不再有人提及和想起,但其实这部电影故事很好,我们从头说起。阿华(刘德华 饰)是一位14岁就混迹于道上的大哥,虽然被人称为大哥,但其实他只有一位跟班,这个跟班便是乌蝇(张学友 饰),乌蝇还有一位不知道是亲兄弟还是堂兄弟的弟弟阿细。三位兄弟中阿华最狠也最仗义,道上人人都要敬畏几分,乌蝇则一直窝窝囊囊,虽然总是励志要做带种的混混,但总是言语狠过行动,阿细则因为女朋友大了肚子,只得早早结婚,退出江湖。而故事的真正开始点,其实就在阿细的这场婚礼,为了帮助弟弟操办酒席,乌蝇找了道上的另一位大哥托尼(万梓良 饰)借了8000块钱。酒席结束以后,阿细离开了江湖,乌蝇欠下的8000元则被托尼追债,而一直找不到乌蝇的托尼便让手下找到了阿华,阿华出面帮乌蝇摆平了这件事。但暴脾气的阿华并没有选择服软的方式,而是与托尼硬对硬了一把,于是就此与托尼结下了梁子。另一边从乡下来看病的阿娥(张曼玉 饰),住到了自己的表哥阿华家里。当乌蝇在江湖上到处惹是生非的时候,阿华则经历了失恋又与阿娥相恋的过程,这一段时间虽然有些混乱,但终究一切安好。某一天阿华所在的这个派系有一位大佬被警方抓住,而这位大佬背弃了江湖准则要转做警方污点证人,派系内的几位阿叔商议要除掉这个人,而派谁去?他们决定从阿华和托尼的小弟里选一个,在一番无果的商量后众人退去,派系里的一位阿公在事后找到阿华告诉他:乌蝇并不适合混黑道,就只会惹事,早晚会害了自己也害了你。阿华说:“我早已经安排好了,会让乌蝇做点正当生意”,于是乌蝇在旺角的街道上卖起了鱼蛋,阿华则去了乡下找已经治好病离开的阿娥,如果可以就这样结束,虽然江湖少了两位大佬的传说,但终究也算平平安安、岁月静好。托尼在与阿华、乌蝇结下梁子以后,就一直想要再次找回场子,这一天他在街头看到了卖鱼蛋的乌蝇,他侮辱、嘲讽着乌蝇,而不会打架却又很硬气的乌蝇在受尽了侮辱以后内心发誓一定要找回这个场子。就在那天夜里,乌蝇拿着罐子把托尼的车砸了个稀碎,但乌蝇也被托尼逮住,被打了个半死,从阿娥那边闻讯赶来的阿华,用枪逼迫托尼放走了乌蝇,但这次结下的梁子却要比上次更大,托尼说:这次就算天王老子来了,也保不住他们,我说的!阿华劝乌蝇:回乡下吧!这里继续待下去你会死的!乌蝇反驳道:我走的时候告诉过我妈,如果不混出人样我不会回去的!劝不过乌蝇的阿华转身离去,但没过多久阿华又回来了,他担心乌蝇会做出傻事,他对乌蝇说:先出去吃个宵夜吧,有什么事明天再说!但那个夜里,他们终究没能吃上宵夜,托尼堵在了乌蝇家的巷子里,那一夜阿华的裆里被塞了一把枪,而乌蝇的头则被放在了阿华的裆下,如果阿华动一下,枪响!乌蝇死!任凭托尼如何的狂揍阿华,华哥就是动也不动,但终究身体被摧残的越来越狠的华哥没有抗住,于是枪响了,子弹擦着乌蝇的脸庞飞了出去,而乌蝇则吓尿了裤子……托尼张狂的笑着、嘲讽着,然后离开。乌蝇呆呆的望着裤裆下的水迹,低声的说道:对不起大哥,我不配做你的小弟,然后就这样慢慢的爬出了巷子,想要起身追上去的阿华,终究因为受伤太深,无法起身……几日以后,乌蝇接了杀污点证人大佬的任务,拿到了安家费和一支枪,他把一半的钱给了阿细,让他重新摆一次阔气点的酒席招待朋友,然后又买了一个冷气扇送给乡下的妈妈,但已经改嫁的妈妈却告诉乌蝇:我们已经有了冷气扇……乌蝇如今想做的事情只剩最后一件,那便是找托尼找回场子,也正是在这里诞生了那个风靡网络的表情包,乌蝇用枪指着托尼的头,而已经没有退路,不再怕死的乌蝇成功的吓到了托尼,托尼选择了跪地求饶,再也没有大佬风范。当一切尘埃落定,就待完成那个最后的任务时,阿华回来了,他告诉乌蝇:要么你放弃任务,其他的我去搞定!要么我和你一起去,要死一起死!乌蝇理解不了阿华为何要对自己这么好,他说:大哥你对我这么好,我受不起的!但终究……两个人还是一起死了!乌蝇没有选择放弃,阿华也没有选择食言,而阿娥在乡下终究没有等到要等的人。06故事里的一些道理:上一个段落里,最后的结局被我一言带过,因为我更想说说下面的这些话,很多人不解,为何乌蝇一定要接这个任务,为了所谓的面子豁出去命,也有人不解为何阿华会对小弟这么好,好到可以付出自己的生命!不知道还有多少人能记住电影开头的两个片段,一个是乌蝇去要钱,讲了一天道理也没有搞定,直到华哥来了以后,三下五除二搞定一切,此时站在旁边的乌蝇被衬托的有些唯唯诺诺,另一个片段是阿细在台球厅输了3000块钱,而赶去救场的乌蝇从头到尾戏耍了对面那位大佬,有勇、有谋、又有胆识!这都是乌蝇,但却是不同状态下的乌蝇,在大哥华哥面前,乌蝇显得弱小,在小弟阿细面前,乌蝇虽然依旧害怕,但他会打起胆量,强撑着自己。因为在乌蝇心中,在大哥身边时自然有大哥罩着,但在自己唯一有的小弟面前一定要带种,但婚礼的事情以及其后的事情,都让乌蝇感觉到了自己这位大哥做的失败和不称职。乌蝇从乡下出来的时候告诉妈妈自己一定要混出人样,但托尼、阿公等人的评价和做法,让乌蝇觉得自己似乎再也没有希望混的出来。阿华对乌蝇一直很不错,但乌蝇自己却知道这份照顾是自己无法偿还的兄弟情,同时他也知道他的存在对华哥是一个很大的拖累,也给华哥丢了无数次的脸。乌蝇就在“没有未来、没有回头路”、“又不想拖累华哥”这些多重复杂的感情作用下,最终决定宁愿英雄一次,也不愿意狗熊一世。而华哥之所以一定要那样照顾乌蝇,原因则简单了许多,因为这就是做大哥应该做的事情,托尼和阿华同样面对手枪的威胁,阿华宁死不屈,托尼则跪地求饶,这两种不同的反应和做派,其实也是王家卫心目中对江湖中人的两种划分,一种如华哥,活着就要带种、对兄弟够义气!一种如托尼,一切只为挣钱,该屈服就要屈服!而谁对谁错?又何来谁对谁错!(文/二娃)

    2020-02-23
  • 重温《阿飞正传》,一部爱而不得的众生群像

    时间如同白驹过隙,距离《阿飞正传》初登大荧幕已经过去了三十年。三十年的物是人非,却丝毫没有动摇这部片子被奉为经典的地位。1991年第10届香港电影金像奖上获得了最佳影片、最佳导演等五个奖项,哥哥张国荣更是凭借旭仔一角问鼎最佳男主角。2005年,香港电影金像奖选出“100部最具代表性的中国电影”,《阿飞正传》名列第三位。豆瓣评分8.5分,51.2万人看过。 这样一部历时多年、经久不衰的影片,从人物、从拍摄、从画面……各种细节的分析,可谓是数不胜数。年少时看不懂,谈不上喜欢,冲着的也许只有后来已经星光熠熠的几位主演的盛名。随着自己的成长,每一次重温,都有了不同的体会。 再次重温,看到的是一群追求爱、渴望爱,却最终爱而不得的人…… 在浪子的外衣下,其实他是最渴望爱的那个人 我听人家说世界上有一种鸟是没有脚的它只可以一直的飞呀飞飞得累了便在风中睡觉这种鸟儿一辈子只可以下地一次那一次就是它死的时候…… 这一段在影片开头和结尾都出现的独白,预示着影片主角的命运。 哥哥张国荣饰演的旭仔,印刻在他身上的标签是“浪子”、“不羁”、“性感”、“对感情的不认真”等等。也许用时下最流行的一句话送给他,那就是——他真的是没有心的。 抛开对哥哥本人的喜爱,在过去多次的观影中,其实我对这个人物是谈不上喜欢的。就这么看去,旭仔几乎聚集了一个渣男应具备的所有元素。可这一次细细品味,竟然解读出了他内心的另外一面:骄傲地维持着自尊的面具,其实内心比任何一个人都渴望被爱。 而对于这样内心的印证,可以从他和四个女人之间的纠缠解读出来…… (1) 在家庭关系中缺失的情感,让他心有爱却不懂爱 旭仔一直在追寻什么呢?我们可以很轻易地在影片中寻找到答案。他想找自己的亲生父母,又或者说,想要通过这一个行为,来逃离现实中的世界。 这是不是说他和养母之间的感情很恶劣呢?初看影片的时候,也许会这么认为。但如果细看全片中,母子之间为数不多的对手戏,你会越来越发现,这个看法是站不住脚的。 养母再一次因为被男人骗而喝得烂醉,旭仔接到佣人的电话后赶回了家。从进门开始,只能听到佣人的念叨,旭仔则一路无言地往洗手间的方向走去。虽然这一幕只有他的背影,但从脚步的频率,可以感受到他内心的焦急。 看到醉倒呕吐的养母,他是将她从地上抱起来,没有一点犹豫。待安置好了养母,才冷静地向佣人了解情况。紧接着,就是十分暴力地将骗钱的渣男胖揍了一顿。 如果说是真的没有感情,那么这一系列的行为也会随之不成立。只有在意一个人,才会在她被伤害的时候为她出头,才会在她一错再错的时候感到痛心。不过长久以来习惯性地将真心藏起来,将最真的关心,用最冷苛的话语去表达出来。 李开复这样说过:“在批评中长大的孩子,责难他人;在恐惧中长大的孩子,常常忧虑;在嘲笑中长大的孩子,个性羞怯;在羞耻中长大的孩子,自觉有罪。” 当旭仔替养母教训了渣男后,找上门来的养母,第一句话是训斥他打了人。像所有有着强烈自尊心的孩子一样,他脱口而出的便是充满讽刺的冷言冷语。而从母子俩接下来的对话里,我们不难想象,在漫长的成长过程中,也许是一次又一次的渴望表扬却求而不得,渐渐养成了旭仔今天的性格。 旭仔作为一个一出生就被亲生父母抛弃的孩子,他渴望亲情的对象,自然不可能是连一点记忆都没有的亲生父母。他之所以执着于追寻他们,只不过是给自己和养母之间的关系找了一个借口——养母不爱我,因为我不是亲生的。 “别妄想,我不会让你走的。”“我什么也不想要,我只要你留下来。” 面对养母即将和情人前往美国定居的消息,他慵懒地瘫在沙发上,说着如孩子般任性的言语。或许在剧情中看来,这些话带着讽刺甚至些许恨意,但细细品味,又何尝不是他的真心。 他像一只刺猬,想要靠近取暖,却收不回自尊的刺。 “我终于来到亲生母亲的家了,但是她不肯见我,佣人说她已经不住在这里了。当我离开这房子的时候,我知道身后有一双眼睛盯着我,但我是一定不会回头的。我只不过想见见她,看看她的样子,既然她不给我机会,我也一定不会给她机会。” 最终找到亲生母亲的篇幅,其实很短。旭仔的旁白里,南洋风情的豪宅窗边,一个历经岁月的贵妇人不舍地望向窗外的目光。而旭仔是一个倔强的背影,快步行走在热带作物的丛林里。旁白渐进尾声,音乐响起,整个天光都暗了下来,就如此刻旭仔的心情,那个长久以来作为寄托的借口,终于还是破碎了…… 从头到尾,他不过是一个渴望被母亲爱着的孩子,可从来没有人教过他如何去爱,也忘了告诉他,他其实一直都被爱着…… (2)被原生家庭影响的亲密关系,浪子是他掩饰无措的外衣 在心理学中,有这样一个理论:我们的亲密关系、婚姻、情感模式往往来自于童年时期与父母之间互动的心理经验。一个人在原生家庭中所缺失的部分,往往会在成年后拼命加倍找回,甚至带入到未来的恋爱、婚姻中,给亲密关系带来困扰。 张爱玲从小被父亲嫌弃、否定、殴打,甚至叫她去死。对于父爱的缺失,让她长大以后形成了这样的择偶观:“我一直想着,男人的年龄应当大十岁或者十岁以上,我觉得女人应该天真一点,男人应当有经验一点。” 而她轰轰烈烈的两段婚姻,胡兰成年长她14岁,赖雅比她大29岁。 台湾作家张德芬曾说过:“在亲密关系中,我们都会无意识地把爱人当成小时候的父母,继续和他完成我们未完成的课题。” 旭仔临死前的独白里,有这样一句话:“我曾经讲过,没到最后也不知我最喜欢的女人是谁,不知她在做什么?天开始亮了,今天天气看来挺好啊,不知今天的日落会是怎样呢?” 这段独白也呼应了他俩最后一次见面,苏丽珍问他:“你到底有没有喜欢过我?”而他答道:“我这辈子还不知道会喜欢多少个女人,不到最后我也不知道谁是我最喜欢的。” 其实我觉得旭仔到最后喜欢的那个女人,一定是苏丽珍而不是露露,因为苏丽珍更符合心理学中的原理。 苏丽珍是简单的,从片头的三面定终生就能看得出来。第一次被撩,保持着矜持和警惕;第二次被撩,强迫自己去否定心动的感觉,被揭穿谎言后,居然是放松下来做起了甜甜的美梦;第三次被撩,终于按捺不住、深陷情网。 在她简单的情感世界里,两情相悦后应该是按部就班的结婚、组建家庭、养育子女……从一开始在一起,她也许已经勾勒出了未来几十年的模样。如果可以这样进展下去,虽然平淡,却不失为一个圆满的结局。 旭仔没有过心动吗?我觉得他内心一定有心动过,甚至这样的happy ending正式他渴望已久的。可是他一边渴望被爱,一边又惧怕得到爱,因为他从来没得到过。内心的矛盾和纠结,让他对这段关系的未来充满了不确定。 如果他爱的人不是苏丽珍,那么他不会在最后一次见面时对她说:“我不适合你!”他也不会在露露不肯脱下苏丽珍的拖鞋时大发脾气。他从来都不是一个愿意解释的人,全片看下来,他只对苏丽珍有过这样一次简短而正式的解释。他知道苏丽珍想要的是什么,也很清楚自己给不了。 张爱玲从小缺失父爱,所以她的择偶观里,希望对象如兄如父;旭仔渴望母爱,所以他的内心一定住着一个简单爱着他的女孩。 为什么这个人不是同样深爱他的露露呢? 或许是因为他俩相似的地方实在太多,从对方身上,总能看到自己的影子! 而遗憾的是,三个人的电影,终究彼此都是错过,爱而不得…… 势如水火的亲子关系,印证着爱子心切的她不懂爱 我看了很多影评,绝大多数都这样形容旭仔和母亲的关系——遭遇着生母不养他,养母不爱他的无可奈何。 旭仔的养母是什么身份?露露和歪仔的对话中有提到过——交际花。这是一个含蓄的说法,说得直白一点,就是活跃在上层社会的高级娼妓。而她收养了旭仔,在他18岁之前,每个月都能得到50美金。在那个年代的香港,这可以让她过上衣食无忧的富裕生活。 如果一开始收养只是冲着钱,那么在20多年的陪伴岁月里,难道和这个朝夕相处的孩子之间生不起一点儿感情?不,当然不是这样。 我当初是不应该让你知道我告诉你因为你不是我亲生的我想你终归会离开我我以为自己可以看得开我没想到我会舍不得你 当看到潘迪华老师强忍着泪说出这一段话,哪里还能觉得养母对旭仔是不爱呢?让你恨我,这样你就不会忘记我!不让你去找亲生母亲,是因为想保护你,人家都不要你了,要来找你早就来了! 从来没有说出口的话,在与儿子即将分别的时候全说出来了。或许是预示着母子俩再难相见的结局,于是在这一幕戏中要表达得明明白白。 国际顶级家排导师伯图乌沙莫说:“父母能够自然给予孩子的爱,通常是他们从自己父母那里得到的爱。” 我们也许可以跳出影片试想一下,如果不是家庭关系疏离,或者出现什么重大变故,一个出生在旧时代的女子,怎么会愿意成为一个被人轻视的交际花呢?作为一个没有从自己的家庭获得太多爱的女子,当她突然成为了一个孩子的母亲,她也手足无措。 没有人教过她如何去爱,社交场上接触到形形色色的人都不过是逢场作戏。她用自己的方式笨拙地去保护这个孩子,却不想这一番摸索操作让母子俩都遍体鳞伤。她虽然拿着孩子亲生母亲给予的生活费,但她也毫无保留地供给了这个孩子优渥的生活,哪怕他如此颓废荒唐。 她深爱的孩子不懂她的爱,所以她寄情于一个又一个的情人,也毫不意外地被骗了一次又一次。当她最终决定和情人定居美国时,她也不忘给儿子做好最后的安排:要不和我一起去美国,要不房子留给你,每个月给你寄生活费。 有人会说,物质上的安排不能说明就是爱。可对于一个没有血缘关系、已经成年的养子,如果不是真爱,大可不必如此费心。 因为她不懂得如何去爱人,所以她自然也没有教会儿子这个技能。母子俩明明都怀揣着一颗爱对方的心,却又不停地在彼此伤害。影片里闪过的她推开了外国情人,而旭仔死于抢夺一本美国护照。 他想去美国找妈妈,而我想,妈妈留在了香港并没有走…… 03:陪伴和倾其所有,奈何错误的时间遇上了对的人 认识苏丽珍的时候,超仔是一个巡逻警察。那时苏丽珍刚失恋,想要找一个人聊聊天。几次相见,让超仔喜欢上了这个女孩,却一直没有表白。他对她说,如果她想找人聊天,可以打电话过来,每晚的那个时刻,他都在那个电话亭附近。 另一场暗恋来自歪仔,从见第一面起,露露就是他心中的女神。哪怕在旭仔走后,面对露露对他大吼“别以为他不在你就可以喜欢我,你不准喜欢我”时,他都还是一如既往地陪在她身边。 我们常常说,在错误的时间遇到对的人,注定了就是一场遗憾。 《天堂电影院》里,艾弗特给多多讲过一个士兵和公主的故事:国王的卫兵深深地爱上了公主,后来他终于有机会向公主表白,公主告诉卫兵如果能连续100个昼夜守在自己的阳台下,就会以身相许。10天、20天……无论风吹雨打、蚊虫叮咬,卫兵都坚持着,到了第90天,卫兵变得虚弱苍白,这一切都看在了公主的眼里。可是到了第99天,卫兵却走了…… 艾弗特让多多想通了告诉他,可直到影片的结尾也没有给出答案。不过将这个故事套入到《阿飞正传》里,超仔似乎就诠释了那个士兵选择…… 当午夜时分,电话亭的铃声终于想起的时候,那个穿着军装巡逻的警察已经不见踪影。他去做了自己喜欢做的事——跑船,因为在很多个夜里,他都会在路过那个电话亭的时候刻意等待一阵。他希望自己喜欢的姑娘能够打来电话,可是她没有。 99天的坚持,是因为真的爱了;最后1天的放弃,是明白对方不爱自己后保持自己的尊严。确定了不爱,就不要用无尽的时间卑微地去赌一个不确定的未来!虽然还是忘不掉她,但是想一想,也许她早已经不知所踪,也许她早已把自己遗忘。 歪仔卖掉了旭仔留给他的汽车,那是他最喜欢的东西。他把卖车的钱全部给了露露,让她去菲律宾找旭仔。他对露露说,如果没找到,可以回来找我。 电影结尾时,旭仔已经死在了火车上,陪伴他的是超仔。露露还在继续寻找旭仔,而歪仔和苏丽珍没有交代结局。可是在这场故事里,四个人终究是与自己所爱之人错过了……佛教云人生有八苦:生、老、病、死、爱别离、怨憎会、求不得、五阴炽盛 。 《阿飞正传》在光影掠动间,或许你看到的是一个孤寂男青年短暂而遗憾的一生,又或许你看到的是一个个结局不够完美的爱情故事, 但在我看来,那年32岁的王家卫,拍出了一部“求不得”而苦的人物群像。人,生而寂寞,不然怎么会是群居动物呢?我们的内心深处,都渴望被爱。在光影中的人身上,我们或许都有看见自己的影子,一生追逐着爱,希望爱的光和热能够给予最幸福的温暖!

    2020-02-23
  • 《迷失东京》:斯嘉丽主演,这是我看过最美的“婚外情”

    作者|电影十三姨导读许多人对电影《迷失东京》的观感是“矛盾”的,正如网友所言,“好像讲了些什么,又像什么也没讲,就是一些情绪感觉”。实际上,影片虽然贴上了爱情的标签,但它所记录的只是一段偶遇的时光,两个陌生人在异乡并没有发生真正意义上的爱情故事,顶多算是各自用孤独所浇灌出的一朵暧昧之花。对观众来说,最吸引人的目光,正是隐藏在清新轻盈,诗意唯美镜头下,弥漫着挥之不去的孤独寂寞,疏离迷失之情。不过,要把它条分缕析地讲清楚,也并非易事。我们需要对电影的叙事和手法层层剥离,才能窥见其孤独本源。换句话讲,应该搞明白,是什么让他们孤独得如此动人。抓住了这一点,就不会有此片好像什么也没讲的错觉,恰恰相反,你将品尝到《迷失东京》独有的韵味,原来是那样余香不散。1、跨文化语境之下的沟通障碍导演索菲亚•科波拉,和本片的主人公一样,都是以一种外来者的视角参与其中的,日本和美国两种文化之间的“巨大”差异,让原本稀松平常的东京之行抹上了充满新奇,但又各种不适的“复杂”印记。文化差异的表现有很多,最直观的是语言沟通上的不顺畅。影片的英文名叫Lost in Translation,直译就是迷失在翻译中,或者说翻译不明,失去那个味道(意思)了。由于语言不通,从美国远道而来的过气影星鲍勃(比尔•默瑞 饰),只能在拍摄广告时依靠日方的翻译工作,翻译的存在既实现了交流的可能,也带来了信息的失真和扭曲。开拍前,导演用日语对鲍勃说了很多。鲍勃先生,安静的坐着,桌子上有一瓶三得利威士忌,你明白的,对吧?充满感情的,慢慢的,看着镜头,好像遇见你的老朋友,说台词。等翻译解码后,那些看起来像是铺垫修饰,可有可无实则至关重要的细节都被过滤掉了,仅剩下生硬的执行层面,“他想要你转过来看着镜头,向右看”。这让鲍勃觉得紧张和不适应,本该应对自如,富于表现力的他,在镜头前活脱脱像是个傻瓜。失眠时打开的电视机,尽管频繁换台,也不过是看着发呆,没有了语言注解,再好看的节目画面只会令人更躁动不安。除此之外,两种文化在行事逻辑、心理性格上也有很大不同。日本长期以来受封建专制统治,有序森严的等级制渗透在社会生活的方方面面,经过近代西方文明的洗礼,肉眼可见的阶级划分难以鲜见,可是等级观念依然留存在人们大脑里。接待鲍勃的日本人热情有礼地迎接,每人送见面礼,即使在楼道里也有人向他鞠躬问好,甚至还安排了妓女上门服务。对于深受美国平行结构的文化所熏染的鲍勃来说,多少有点不习惯,而他只能选择性地接受或是拒绝。陪丈夫出差而来的少妇夏洛特(斯嘉丽·约翰逊 饰),更是被异域文化隔离开来,她不是百无聊赖地坐在窗前俯瞰城市,就是去短途旅行随意游走但很少发声。跨文化沟通带来的障碍,让鲍勃和夏洛特变成了失语者,犹如两座身处人群却又无比孤独的小岛。如果按文化人类学的定义,他们处于一种文化休克的状态。由于失去了自己熟悉的社会交往信号或符号,对于对方的社会符号不熟悉,而在心理上产生的深度焦虑症。这是电影中最表象的孤独之源,在人口移动极其普遍的今天,相信每个人能有或多或少地感同身受。2、婚姻围城困境中的交流缺失如果说身处异乡的孤独感,尚可通过自娱自乐的方式适当排遣,那么两人面临的婚姻困境,恐怕就没那么好办了。鲍勃飞往东京的初衷,不光是拍广告挣一笔钱,还有逃离家庭这样更隐秘的内在动机。他厌倦了妻子沉迷于柴米油盐,琐碎小事的喋喋不休,也不想例行公事般地为儿子过生日。逃离是获取自由最便捷的途径,然而,鲍勃不仅被深深的孤独感所侵蚀,他还要“忍受”妻子半夜三更打国际长途电话,发传真所带来的“不合时宜”的打搅。25年婚姻生活,庸常无趣的现实早已让他激情丧失。最大变化来自孩子的出生,天使降临的第一天是鲍勃口中人生最开心的时刻。可是越往后,快乐也离他越远。妻子把注意力全部放到了孩子身上,夫妻关系被亲子关系替代,成了家庭运转的核心纽带,鲍勃仿佛一个处于边缘的局外人,他找不到自己的位置。而家庭也不再是能让他感到温馨幸福的地方。相比于鲍勃的无奈,夏洛特的处境更叫人“痛心”。才结婚两年,身为摄影师的丈夫就“无意”地冷落了她。一方面,他忙于工作顾及不到妻子身处异域的孤寂;另一方面,又和别的模特聊得火热。以至夏洛特怀疑她是否所嫁非人。共同点在于,他们发现和爱人的交流越来越少,尽管眼角爬满了隐隐作痛的愁绪,并且似乎察觉到了那些丢失已久的东西,可就是讲不出来,也或许根本不想讲,对陌生人反倒是能敞开心扉地展开诉说。片中鲍勃的妻子一直没有出境,观众只能从电话里听到她的声音,当问到家里购买地毯丈夫喜欢哪种时,鲍勃总是顺着太太的意见作答,显得极不耐烦,你随便几乎是他的口头禅。夏洛特常失眠,她试图和老公聊天时,收到的回应不过是转身之后继续响起的鼾声,而与老公的朋友聚一起,她无非只是换了个地方独自抽烟。由此来看,对方在各自婚姻生活中常常扮演着缺席者的角色,而症结即是交流的缺失。虽然具体情况有差别,但问题的实质一样。导演科波拉以其女性独有的细腻敏锐地洞察到了。鲍勃并非简单粗暴地拒绝沟通,可他确实失去了交流的欲望和耐心,夏洛特做出了想要得到关怀的尝试,丈夫却选择忽视没有给她暖心的回应。两个身处异域文化的失语者,先是被文化差异这种外在因素所短暂隔离,进而在婚姻围城中由于或充当或遭遇缺席者的常态,让本该敞开的心灵大门紧紧地闭上了,无处不在的孤独飘散于原始欲望和道德责任之间,考验着他们“必须”得做出艰难选择。3、人性深处难以安放的孤独感很明显,《迷失东京》的基调是内敛克制的,但平淡零碎的叙事中其实暗藏“玄机”,最大的“反转”在于,明明做了很多两人将要陷进婚外恋的细节铺陈,可他们终归走向了各自原有的生活轨迹,这样不落俗套的设置,恰是影片的高明之处。而深入骨髓的孤独就像牵着风筝飞翔的那根线,无论剧情怎样延展也未离开线,所有的小“惊喜”小“意外”,也仅如拂过脸庞的一缕清风,留下的不过是那一刻的温情记忆。所谓迷失,也仅止于迷失,背后仍是舍不掉的孤独。也只有剥离掉文化差异的外因,与依存他者而生的婚姻困境,才能洞见他们真正的孤独本源之所在。众所周知,对都市疏离、迷失感的营造,是王家卫的强项,《重庆森林》、《堕落天使》、《花样年华》《2046》等当中都有精彩呈现。本片尽管是写实风格,可也有不少诗意浪漫的镜头语言,用以表现游荡在都市任意角落怅然若失的迷惘感,在这点上,很难说科波拉没有向王家卫借鉴。东京繁华喧嚣的街市,更能衬托出人内心的孤寂,霓虹灯越是光怪陆离地闪烁,男女主就越是按捺不住地手足无措,连续失眠,频频出入酒吧,香烟美酒,萍水相逢的陌生人,成了彼此孤寂时分最好的陪伴。被家庭“抛弃”后,随着年龄增长,鲍勃在工作上也开始走下坡路。感情与事业双重夹击,制造了其“中年危机”的既定事实。他既不知道该如何重回家庭的温暖港湾,也不晓得怎么做才能最好地发挥余热。大学主修哲学专业的夏洛特,喜欢写作和摄影,但她认为自己在这两项上均缺乏天赋,拿不出像样的作品,又好像不甘过平凡人的生活,苦于不明白人生的方向该往何处去。简而言之,他们在各自所处的生命阶段遇到了难题,所谓文化差异无非是异域环境放大了人的内心感受,婚姻困境也不过是借由两性关系凸显了个体的迷茫,内在的问题其实是对自我身份认同的迷失,这才是藏匿在人性深处孤独的本源。由此抽丝剥茧地分析,我们许多的疑惑自然就解开了。为何两人即便奔跑于霓虹灯下玩大逃亡游戏,在玻璃屋中尽情地放声歌唱,躺一张床上谈着柏拉图式的爱情,却始终谁也没有跨越道德界限,堕入婚外情的无底深渊,却仅仅只是两个孤独灵魂的低声吟唱,始于孤独,终于暧昧,中间的过程则谓之迷失。影片结尾处,他们拥抱离别,朝着相反方向消失在人海中。而鲍勃的耳语,夏洛特的笑容,节奏欢快的摇滚乐,无不表征,东京之行两人并没有一味迷失,生活也未就此停滞。相反,彼此给对方留下了难以忘怀的美好记忆,他们将带上各自的苦恼继续前行。

    2020-02-23
  • 就算王家卫江郎才尽到拍烂片,他也有资格炒这盘回锅肉

    导读:就算王家卫江郎才尽到拍烂片,他也有资格炒这盘回锅肉! 2020年戛纳国际电影节公布,王家卫导演的电影《花样年华》4K修复版成功入选戛纳经典单元,以庆祝其上映20周年。而电影《花样年华》也将由此在全球展开包括主题展览等在内的多项纪念活动,并在多个国家及地区上映。网上一片欢呼,可是嘲讽的言论也大有人在讲。可是校长倒是觉得,就算外界再怎么评价王家卫江郎才尽,这盘回锅肉也该他炒。1958年出生的王家卫,至今已经62岁了。1982年就进入电影圈的他,在二十岁出头的时候创造了不少的优秀作品,198年他就凭借执导的个人首部电影《旺角卡门》获得了第8界香港电影金像奖最佳导演奖提名,后来他凭借1990年的《阿飞正传》、1994年的《重庆森林》、1997年的《春光乍泄》分别拿下了三个最佳导演奖项。那个时候的王家卫有一腔的创作热情,也有一身的热血和温柔。王家卫200年在戛纳首映的《花样年华》,取得了丰厚的成绩,主演梁朝伟获得了2000年的戛纳影帝、艺术指导张叔平、摄影师杜可风和李屏宾获颁评审团技术大奖以表彰电影卓越的艺术成就。2001年,该片获得法国电影凯撒奖最佳外语片奖 。2009年,该片被美国CNN评选为“最佳亚洲电影”第一位。2019年9月,该片被英国《卫报》评选“21世纪最佳影片100部”位列第5名 。影片中身着旗袍的张曼玉,是你看完这部影片都不知道如何形容的美。我们再看看现在的王家卫,网友质疑他江郎才尽并不是没有道理。《花样年华后》后,王家卫除了《一代宗师》能拿得出手,其他的影片都没惊起来什么水花,就算是《2046》,也像是昙花一现一般。2016年出现了一件让不少王家卫粉丝感觉愤懑的事情。那就是他参加电影《摆渡人》的制作,这部影片是他《一代宗师》后的首部作品,改编自改编自张嘉佳小说《从你的全世界路过》的其中一篇。你能能想象吗,一部王家卫监制,云集了梁朝伟、金城武、陈奕迅、Angelababy、张榕容、杜鹃、熊黛林、鹿晗与李宇春等一众知名艺人的电影,烂到真的看个十分钟就想当场去世,真的尴尬爆表了。也难免有粉丝说他江郎才尽,实在没办法帮他挽尊。虽然王家卫现在已经回不到以前,但是我们还能够看到修复后的作品,其实也是一种乐事。要知道4k修复的不仅是画面,更是那个时代的记忆。就比如中国第三代导演谢晋那个年代,不少的优秀作品因为技术不成熟阻碍了影片百分百完美呈现在观众面前,当现在技术成熟了,那些距离我们几十年的老电影,又重新回到了观众面前,那些泛黄的记忆完整无缺的翻新后,又一次带我们回到了那个年代。并且现在的4k技术已经成熟不少,其图像质量已经非常接近胶片的影像质感。能够达到高清分辨率的4倍,再配合鲜艳的色彩、超真实的音效,能给观众带来极大的观影享受。4K修复能最大程度上还原当年拍摄的真实画面,拂去经典老电影身上岁月的尘埃。硬屏4K电视的可视角度达到178度,无论从哪个角度看,消费者都能欣赏到色彩准确一致的理想画面,收获视觉无“死角”体验堪称完美。用现在的技术看一场过去的电影,实在美哉。粉丝对王家卫的批评虽然是好意,但是江郎才尽实在和应不应该炒这盘回锅肉没什么关系,还希望大家理智一看待。有喜欢王家卫的小伙伴快来评论区和校长交流吧!

    2020-02-22
  • 梁朝伟烂片不断,为什么还有人说他演技好?

    梁朝伟近几年烂片不断《大魔术师》《欧洲攻略》《捉妖记2》《摆渡人》。梁朝伟个人说过自己拍完《色戒》之后,感觉太累了,想拍点轻松的作品,所以很多的剧情类影片都推掉了。大家如果把印象停留在这些电影的时候,当然会觉得梁朝伟的演技也就一般般,毕竟这类型的电影压根不需要有太多的演技。那么在什么时候梁朝伟被大众称为演技好呢,我们先来看看挂在他头上的一个个影帝,香港金像奖:五获最佳男主角,两次最佳男配角台湾金马奖:三获最佳男主角。戛纳电影节最佳男主角这几项就是他的主要获奖头衔了,另外还有其它电影节的最佳男主角头衔,其中还有其它国际A类电影节。香港金像奖、台湾金马奖获奖最多的男演员都是梁朝伟。戛纳电影节除了一次获得男主男主角,其实早在获奖之前,他就凭借《春光乍泄》以一票之差输掉了影帝。并不是评委觉得别人更好,而是因为戛纳决定把导演奖颁发给王家卫,所以才让梁朝伟输掉了影帝。在奖项面前,梁朝伟绝对是华语电影之首。但奖项不是一切,我个人身边就有很多朋友排斥获奖的电影,认为这些电影是拍给电影节看得,而不是普通观众。因为梁朝伟的演技在很大程度上,很多人就这么忽视了。有很多人认为梁朝伟傍着一个获奖无数的王家卫,影帝有加成。 那我们不论奖项,来看看梁朝伟都拍了哪些电影。跟王家卫自然是合作无间,作为绝对的男一号他就拍摄了《花样年华》《2046》《春光乍泄》《一代宗师》《重庆森林》跟吴宇森拍摄了《喋血界头》《辣手神探》《赤壁》,当年《辣手神探》梁朝伟入围最佳男配角,当时他也是最热门人选,大家都认为他要第三次获得金像奖最佳男配角了,但是他认为他是电影双男主角,而拒绝参加金像奖。侯孝贤的《海上花》和最富盛名的《悲情城市》李安的《色戒》越南大导演陈英雄的《三轮车夫》尔冬升的《人民英雄》《癫佬正传》杜琪峰的《暗花》张艺谋的《英雄》刘镇伟的《天下无双》《东成西就》刘伟强的《无间道》当然电影并没有列全,只是列了一些具有代表性的电影,梁朝伟也从都不是一个具有票房保证的演员,但是他的演技确实能让他轻松应对任何类型的电影。轻松幽默无厘头类型他演过欧阳锋,深情更是他的拿手好戏,枪战警匪他有无间道、辣手神探、喋血街头、暗花这样的代表作。在此也要推荐《暗花》这部电影,杜琪峰有太多的代表作,这部称得上代表作中的代表作。《三轮车夫》里他没有一句台词,但是作为男一号却要从头演到尾。《悲情城市》更是直接演了一个哑巴,而且他演绎的是一个经历了台湾动荡年代的苦命人,里面其它的演员都是侯孝贤直接从台湾当地请的普通人,梁朝伟在其中看不出半点突兀。《色戒》里演过大反派,如果大家把注意力从那些片段挪开,就能看的到梁朝伟到底有着怎么样的演技,就能明白为什么李安说梁朝伟是所有导演梦寐以求的演员。《癫佬正传》里演了一个疯子,这也是尔冬升的成名作。对于梁朝伟,别去只关注他那眼睛如何有魅力,也别用一两部电影就代表他所有的表演。哪怕他今天息影,他也会是电影世界里璀璨的砖石。

    2020-02-22