1984年执导影片《黄土地》,影片荣获第38届洛迦诺国际电影节银豹奖;1993年凭借《霸王别姬》斩获华语影坛第一座戛纳国际电影节金棕榈奖,并相继获得美国电影金球奖最佳外语片、英国电影学院奖最佳外语片等一系列国际大奖。代表作有:《黄土地》、《孩子王》、《霸王别姬》、、《风月》、《荆轲刺秦王》。电影导演以外,陈凯歌还担任中国电影家协会副主席和第十二届全国政协委员等职务。

陈凯歌

陈凯歌
chen kai ge

  • 张国荣扮演程蝶衣无法超越,同样阴柔美的张云雷,有无可能试演他

    毫无疑问,陈凯歌的《霸王别姬》是最为经典的国产电影之一,在豆瓣的评分始终高居不下,预计多年之内不会被超越。而这部电影之所以成为经典,除了导演陈凯歌盛放时期的导演功力之外,最主要还是选程蝶衣选对了演员。可以想象一下,如果不是那时候的张国荣扮演了程蝶衣这个角色,换作其他人,这个角色有没有可能会失败?主角不成立,这部电影自然也不会为人称道。再加上2003年巨星张国荣猝然离去,更是为这个角色和这部电影蒙上了莫大遗憾和神秘色彩。张国荣之于程蝶衣,程蝶衣之于张国荣,都已经成为无法超越的历史绝响。而网上近期有这样的声音出来,说如果《霸王别姬》有可能翻拍的话,由面容精致的张云雷来出演程蝶衣会怎么样?乍一看这是小辫儿粉们一个大胆妄为的可笑想法,然而仔细想来的话,其实这件事如果有一天真的实现,也不会完全出人意料。张云雷这个演员,还是有可能把程蝶衣演得像个样子的——尽管张国荣的程蝶衣永远无法超越。张云雷缺乏影视表演经验作为一部经典影片,《霸王别姬》应该是轻易不会翻拍的,即使翻拍在演员的选择上也会慎之又慎。在此片之后,陈凯歌后来还执导过一部与京剧有关的电影《梅兰芳》,青年梅兰芳由余少群扮演,中年梅兰芳由黎明扮演。选黎明是看中他儒雅的谦谦君子的样子,选余少群是看他的戏曲功底。从选角这个角度来看张云雷。演员知名度肯定是要看的。这个知名度还不是演员在其他方面的知名度,而是在电影界的知名度,陈凯歌之所以选张国荣和黎明,这是其中的重要方面。如果不在乎这个,找真正的戏曲演员倒是首选,但他们没有办法吸引更多影迷。张云雷在相声方面的知名度肯定是够的,现在他的知名度甚至可以和郭德纲齐名。然而,他并没有真正涉足过影视,因此导演选角不会轻易冒险选缺乏银幕表演经验的演员。张云雷阴柔气质接近程蝶衣从传统功底来看,张云雷倒是有一定的基础。由于很小就跟着郭德纲学太平歌词传统说唱,张云雷在演唱方面是有很多经验的,现在说的相声也经常以唱为主。当然他的学唱主要还是以小曲小调比如《探清水河》,不过也曾经仿学过张火丁的《锁麟囊》。能听出他一些程派青衣的味道,说明背后还是下了一些功夫,并且具备一定的嗓音条件。看过张国荣扮演程蝶衣的观众都明白,要扮演这个角色,演员需要一些阴柔之美,张国荣就具有这样的气质。其实张云雷也是有一些这样的气质在的,比如说话总是带有一些羞涩之感,面容也长得比较秀气,在台上有时也仿学女子说话演唱。张云雷美誉度欠缺再从美誉度上来说,对于张云雷的粉丝来说,张云雷简直就是完美的化身,但此前的调侃地震和张火丁事件,让张云雷的美誉度都受到很大影响。而对于一部电影来说,是肯定不会选美誉度有比较大缺失的演员的——至少不会在他受到负面评论风口浪尖上选择他。出演程蝶衣时机未到综上可以看出,张云雷不管是自身条件还是表演经验,是可以试试程蝶衣这样带有一定阴柔气息的男性角色的。但是从知名度和美誉度两个方面来说,他还远远不到火候。如今张云雷的知名度主要表现在相声领域,也包括音乐的一部分,但在影视方面还没有贸然涉足,不像当时的岳云鹏一样,走红之后很快就开始拍摄影视作品。张云雷可能有自己的想法,身体伤痛方面也有一定的考虑,郭德纲也会对他的职业发展进行规划。按理说他是具有一定的影视表演良好条件的,今后有没有可能出演影视剧,也未可知。

    2020-03-10
  • 盘点,那些年因评分错过的好电影,全部收入囊中

    时代更替,周围开始不断浮现新鲜的事物,应接不暇的生活总是让人轻易忽略隐藏于那些灰色地带的同期衍生物,网络暴力的存在又何尝不是一个互联网多样面的新认知。NO.1《心理罪之城市之光》类型:动作、悬疑、犯罪导演:徐纪周主演:邓超,阮经天,刘诗诗,林嘉欣,郭京飞简概:一场连环凶杀案掀起的城市狂欢和躁动,牵扯其中的数名受害着,将存在于网络中的典型社会从众心态揭发的淋漓尽致,以暴制暴的审判现场,司法、道德与人性的三方较量,故事饱满,节奏经凑不拖沓,演员演技整体在线。《心理罪之城市之光》NO.2《搜索》类型:剧情,都市导演:陈凯歌主演:高圆圆,姚晨,赵又廷,王珞丹,王学圻,陈红,陈燃简概:改编自小说《请你原谅我》,一场先入为主的直观批判经由网络不断发酵扩大,因娱乐大众而衍生出的集体讨伐,尤如因哗总取宠面诞生的时代技术,谁又会在意事情的真相。《搜索》NO.3《社交恐惧症》类型:剧情导演:锡宰主演:卞约汉 / 李柱胜 / 柳俊烈简概:影片题材充分的贴合生活场景,虽让整体故事偏于扁平但也十足的惊心动魄,网络键盘侠的无脑发言充斥的网络世界,言论自由的时代,弊端尽显,当话语权被过度自由化时,慎言才是美德。《社交恐惧症》以上就是此次的所有内容喜欢的朋友记得、关注、评论、转发

    2020-02-23
  • 陈红50岁近照曝光,年到半百穿牛仔裙依旧似美人,陈凯歌真赚到了

    五十岁这个年龄听着就是一个比较有标志性的年龄,在进入到这个年龄的时候,如果结婚比较早的可能都已经到了奶奶辈的年龄了,所以很多女明星对于这个年龄是比较抵触的,但是不管是怎么抵触,时间总是会前进的,到了这个年龄的时候就是要面对的,这样活出自己的样子,就算是在年龄上和年轻人相比已经没有了优势,但是在气质上和皮肤状态上依旧是可以拼一拼的,这点在娱乐圈中也是尤为常见的事情要说到女明星五十岁,可能很多的网友们都会想到许晴,但是在娱乐圈中,也是有一位女明星已经到了五十岁的年龄段了,这个女明星就是陈红了,陈红在出道的时候就是出了名的古装美女,在很多的影视作品都给人留下了很深的印象,不过在婚后的陈红慢慢的淡出了娱乐圈,很长时间都没有陈红的消息但是近日陈红的最新近照曝光,在照片中的陈红一点老态都没有,给人的感觉还是当年沉鱼落雁的美女,国风中带着一点高雅的味道,这样的陈红看到后谁会不羡慕,在五十岁的年纪,看起来还不到四十的样子,这次陈凯歌是真的赚到了陈红这次的妆发很是简单,给人一种古风的味道,黑色的长直发散落在自己的肩上,在妆容上陈红的造型追求的是简单和平淡,所以呈现出来的是一种裸妆的效果,不过陈红的唇彩颜色上的比较重,让陈红看起来气色也变得好了很多,在镜头中的陈红发量蓬松,应该是没有脱发的烦恼吧虽然陈红的妆发造型比较简单,但是陈红在配饰上的选择倒是很古典并且很显眼,暗粉色和白色的钻石拼接的首饰在陈红的身上显得更加的闪耀了一点,阔耳类型的耳坠加上了一点垂感的味道,在配上陈红的气场之后,陈红的造型中就变得更加的高级了一点陈红这次的服装造型也是很复古的,陈红身穿着暗蓝色的牛仔连衣裙,裙装是V领的设计,加上了一些刺绣装饰,也正是因为有了这些元素才陈红的造型变得更有古风的味道,服装的腰身上是收腰的设计,有了收腰的设计之后能有让陈红的造型变得更加的凹凸有致了一点服装的刺绣是花朵的形式,这种类型的服装让陈红的造型变得更加的有了一点民族的味道,这身服装也就只有陈红穿在身上的时候才能有气场吧,要是换了另外一个普通人的话,穿在身上也就只有接地气的造型,而没有了气质了对比一下陈红几个月之前的样子,那时候的陈红脸上还带着一点圆润的效果,和这次的近照相比的话,陈红的脸就像是瘦了两圈都不止的样子,在活动上的陈红身穿着暗红的礼服,服装是紧身的效果,加上收腰和镂空的设计,搭配上那时候身材比较臃肿的陈红,感觉瞬间就像是邻家老阿姨的效果回看这次近照中的陈红,和几个月之前简直就像是两个人一样,在这次的近照中陈红减龄了十岁不止,果然对于女人来说,真的是一胖毁所有了,所以在这个秋季比较容易长肉的季节,一定要控制自己的饮食,注意多多的健身和运动

    2020-02-21
  • 贾樟柯:是贩卖国家苦难的利己者,还是热血难凉的饮冰人?

    第70届柏林国际电影节公布部分入选影片片单,贾樟柯执导的新片《一直游到海水变蓝》入选特别展映单元。作为“欧洲三大电影节”的常客,贾樟柯这些年频频走上戛纳和威尼斯的红毯,19年后,科长终于重回了发迹地。1998年,贾樟柯几费周章把自己的长片处女作《小武》柏林电影节青年论坛单元,尽管已经过了收片截止日期,但组委会还是破例收下了《小武》。权威电影杂志《电影手册》主编夏尔·戴松看完《小武》后激动难抑,提笔写下影评《爱与微笑的时节》:“很少有一部影片像它那样给人以如此充满生命力的感觉...他(贾樟柯)的创作手法摆脱了中国电影的常规,他这部影片标志着中国电影活力的复苏”......贾樟柯一直担心“资本主义的柏林看不懂他的《小武》”,但《小武》里的乡愁不仅被读懂了,还被“资本主义”大肆赞美。那年,《小武》收获了第48届柏林国际电影节“沃尔福冈·施多德奖”等8个奖项和西方电影人的掌声,但贾樟柯收获了国内的一纸禁令:无限期停止拍摄影视作品权利。被收了“准拍证”,“柏林”一战成名的导演贾樟柯,被迫开始了6年之久的“地下作战”。虽然04年贾樟柯迎来解禁,“地下作品”终于能在院线大银幕上重见天日,但又什么区别呢?贾樟柯依然是那个不入流的小个子汾阳导演,不过是从地下走到了地上的边缘而已。像贾樟柯这种电影...《冰点周刊》徐百柯曾在《小武》十周年的北大纪念观影会后,和贾樟柯对话。徐百柯问科长,很多场合能见到一种表述,“像贾樟柯这种电影……”,观众、影评人、制片方和院线都这样说。那“贾樟柯这种电影”究竟是什么电影呢?本人如何定义?科长列举了他电影上面的一些标签:“低成本”、“拒绝明星”、“广大观众不爱看”——这是“贾樟柯电影”的大众泛感觉标签;还有上升到人格高度的“狠标签”:“靠出卖中国的苦难赢得国际认同”、“自私自利、只顾表达自我、不顾大众感受”、“潜在的不安全”——这是“贾樟柯电影”一直不乏的批评声。02年,贾樟柯带着他的“故乡三部曲”最终部《任逍遥》,首次征战戛纳。首映式的时候,一个央视记者质问他:“ 我特别讨厌这部电影,这部电影就是一个谎言!我们大陆现在的年轻人学电脑、学英语、出国,生活丰富多彩,为什么你不去拍那些人?”贾樟柯后来反思了,不否认中国的一些家庭确实是质疑者说得那样丰富多彩:学电脑英语,能出国深造。但问题是,这部分人的生活能代表全部中国人的生活现实吗?一些少部分人的现实被接受被呈现,那另一些更多的人的现实却不被承认和认可。太残酷了,贾樟柯说,对另一些人生活现实的否定是一个谎言。贾樟柯对文学和电影的敬畏不允许他说谎。在走出吕梁前的21年里,贾樟柯一直想当一个“东哥”那样有权有势的大混混,但老天却赋予了他文学天才,中学时他已经在《山西文学》上发表文章,高中创办过诗社,即便他曾是“考不上大学的差生”,山西作协也将他视为可造之材。少年贾樟柯迷茫混沌的烦恼,是被第五代导演的两座高峰——陈凯歌和张艺谋,双峰聚首合作拍摄的《黄土地》终结的。有人说中国电影的辉煌始于《黄土地》,《黄土地》不仅震惊了世界,还诞生了一个电影人——贾樟柯。拍《黄土地》时的张艺谋陈凯歌“电影原来不仅是歌颂光辉形象,它也可以是真实人生,可以调动一个观众的所有经验与感情”,贾樟柯初看《黄土地》就被镇住了,它为他奠定了电影导演的基调和底色,当创造它的两位大导走上商业工业化大片之路,贾樟柯还闷着脑袋沿着37年前的这条土路一路狂奔。贾樟柯没法定义自己的电影。从处女作《小武》开始,新现实主义为他划了一条与主流电影市场泾渭分明的界线。有人为贾樟柯的电影总结了两个关键词:边缘和底层。但贾樟柯本人特别不喜欢。在他心里,想拍和在拍,且会一直拍下去的,是中国大众,是大多数中国人的真实生活状态。因为银幕空间里面,普通中国人的形象和真实生活被呈现得太少了,贾樟柯说自己怀着普通的心情拍了普通人,没想到放到银幕上就成了“特殊”。格格不入的“特殊”墙里开花墙外香,颇受西方电影节的青睐肯定,“像贾樟柯这种电影”就背负了“诋毁国家形象,贩卖苦难讨好国外”的骂名,批评者说贾樟柯总拍阴暗面,是用民族苦难博名取宠的自私利己者,应该加强电影审查。但贾樟柯说这是非常大的误会,客观正视国家的主流群体,“揭短”是因为爱得深沉。贾樟柯的“故乡三部曲”电影可以改变世界27岁拍《小武》时,贾樟柯和朋友们组成的“穷剧组”,用16mm级别的胶卷,每天工作15、6个小时,拍出了这部“真实得让人胃疼”的影片。破败混乱的小县城,小偷小摸的“手艺人”小武,旧西装和鸡心领毛衣,发廊、台球桌、卡拉OK和录像厅,“严打”的大喇叭声和住家户外墙上带白圈的“拆”字,演员都是非职业的——老贾汾阳老家的父老乡亲。粗糙、纯粹、生硬、自然,像不缉边的生麻布,震撼的不适感。电影人分析手法、镜头和技术,影评人研究隐喻、暗示和象征,对于不具备专业理论的普通观众,看到的是熟悉的真实,用专业的话术来说,这就是“浓烈的现实主义写意”。《小武》诞生之时,远在上海的励婕开始用“安妮宝贝”的笔名在网上发表作品。逛伊势丹、百盛,吃哈根达斯,卡布奇诺,蓝山咖啡,威士忌加冰,酒店里沉醉到凌晨......安妮宝贝作为当代中国大陆“言情”第一品牌作家,把“小资格调”的风吹遍神州。幅员辽阔的国土上,少部分人奔向精致,大部分人依然粗放,这个现实从未改变。《小武》贾樟柯是颗顽石,他一直掀开时代表层印象那袭华美的袍,去找藏在缝隙里头的虱子。苦行僧似的作家路遥说,作家的劳动不仅仅是为了取悦当代,而更重要的是给历史一个深厚的交代。如果为微小的收获而沾沾自喜,本身就是一种无价值的表现。路遥对贾樟柯影响巨大,路遥的成名作《人生》是贾樟柯独立思考、反思社会的启迪者,这个不是非黑即白、充斥着深深浅浅灰色的世界,贾樟柯总是在看、在想、在触摸这些灰,他在《穿越乡村的时间》里写到:“这个世界很多事情,当你无法描述的时候,可能你描述它的无法描述,本身就已经接近这个事物的状态”。最初决定拍电影,是因为贾樟柯觉得电影可以改变世界,他的骨子里面有种非常原始纯粹的“侠”的江湖热血。拍《小武》的时候,他带着剧组一行烧香磕头,“我在烟雾缭绕的街头跪下,敬天地鬼神,往来神仙,祖师爷唐明皇,朱元璋及卢米艾尔兄弟”——这仪式感使他相信,他能在文字转化成影像的江湖里,呈现这个世界的悲愤与煎熬,用“犯禁”来冲撞改变世界。早期“故乡三部曲”,贾樟柯拍出了他的“汾阳宇宙”,大量启用非职业演员,拍一个空间人物集中的时间剖面上的故事;随着时间推移,他又倾向于结构性叙事,比如《三峡好人》和《二十四城记》;《三峡好人》后,贾樟柯开始把目光投向长时间跨度的命运故事,去讲中国改革后社会定型的潜藏问题,比如《海上传奇》、《山河故人》、《江湖儿女》。从青年进入中年,贾樟柯也在经历一个“看山不是山”到“看山还是山”的过程。《三峡好人》是一个临界点,它之前科长乐观得多,它之后科长发现自己越来越失望。电影能改变世界吗?贾樟柯的追问最直接体现在他的创作手法和风格上,他在等待另一个贾樟柯的到来。等另一个贾樟柯到来贾樟柯的名字是当教师的父亲取的。樟,是带有芳香、坚硬的木头;柯,是斧头的手柄。父亲希望他能成为一个有作为,关键时刻发挥作用的人。不到50岁,贾樟柯却拿到了戛纳国际电影节、洛迦诺国际电影节和圣保罗国际电影节3个“终身成就奖”,是第一位获得戛纳终身成就“金马车奖”的华人导演。“金马车奖”设立于2002年,奖项名字来源于法国电影宗师让·雷诺阿的杰作《金马车》,旨在表彰“纯粹的电影天才”。之前,克林特·伊斯特伍德、南尼·莫雷蒂、大卫·柯南伯格、吉姆·贾木许、简·坎皮恩等电影大师曾被授予过这一殊荣。贾樟柯捧过“金马车”时,说:“这个鼓励很及时,是对我未来的鼓励。这个世界还没改变完,我们要继续为自由独立地工作而努力”。为什么及时呢?因为某种程度上,它拯救了贾樟柯的衰弱无力感。《十三邀》,贾樟柯对许知远说,来自公众的压力和市场经济的煎熬让他甚不快乐。公众怀疑取悦西方人,给外国拍电影;国内市场没票房,上映的电影累计票房不到一个亿,很多烂片导演的成绩都让他望尘莫及。“挺悲哀的一个事情就是,刚拍电影的时候特别有激情,觉得电影可以改变这个世界。现在我觉得,世界改变得太慢了,二十年了。七年一代,三代人过去了,思维模式没任何变化,这不是一个人的问题。尤其是对创作者来说,有点困扰。”在娱乐经济时代,电影本身释放的文化信息很不重要,反而围绕电影制造的八卦产品很重要。贾樟柯的电影有一种“涧户寂无人,纷纷开且落”的遗世落寞感,很多人对他和他电影的好奇,恐怕更多是因为“被禁”这个吸眼球的标签。《江湖儿女》海报17年贾樟柯听到了一些让他“特别不舒服”的评论,说他不热爱艺术了,变资本家了。贾樟柯确实拉近了和资本的距离:接拍商业广告,接巡回路演,创立短片线上放映平台“柯首映”,不定期去演讲。但对于给他扣“资本家”帽子的评论,贾樟柯愤愤不平:“我每天都在阅读、写作,筹划新电影,怎么就成了资本家了?资本家也没什么不好,但我确实还是个艺术家。”贾樟柯确实很艺术。写了两本回忆录:《贾想1》和《贾想2》,对应着他创作生涯和中国社会发展的两个阶段。第一个阶段代表人物,是在剧烈的社会变革中无所适从的中国人缩影“小武”;第二个阶段的代表人物,则是面对贫富差距和阶级固化无能为力、以暴力挽回尊严的“大海”。《小武》拍底层扒手,《天注定》转而拍社会极端事件,贾樟柯发现含蓄地说时代弊病没用,当代人应该拍当代事件,不能隐晦太多,就应该来个决绝的坦率。决绝的坦率不是摆个高姿态样子,电影的创作还需要资本的烟火支持。“第六代导演”的标签渐趋模糊,模糊得不具印象,贾樟柯依然旗帜鲜明地扛着,拍《江湖儿女》时,他说在等待另一个贾樟柯到来,另一个贾樟柯,还是那个很轴的、与当下较劲的小个子中国导演。

    2020-02-20
  • 豆瓣7.8,比袁泉、潘粤明巅峰颜值更美的,是这部电影的诗意

    近两年不断有网友翻出2001年国产电影《蓝色爱情》的剧照,夸赞袁泉和潘粤明两位主演当年的“盛世美颜”,以至于这部文艺片知名度不低,但真正看过的其实不多,豆瓣上5千多人的打分便是佐证之一。其实,这部电影的结构和视听语言之美,并不逊色于两位演员的颜值。怎么把艺术电影拍得好看,既能表达深刻的主题又雅俗共赏,吸引更多的普通观众从而“出圈”,是世界性的难题。霍建起导演的《蓝色爱情》是一次大胆尝试,特别是2000年前后国内的一线导演们扎堆拍大片,突出宏大叙事、史诗风格的背景下,这部冷峻先锋、充满诗意的作品更是显得难能可贵了。01 “五代半”导演的先锋探索,套层结构中的精妙叙事霍建起和第五代导演张艺谋、陈凯歌等人是同学,但年轻了好几岁,学美术的他毕业后在北影厂工作,曾在田壮壮导演的名作《盗马贼》等电影中担任美术设计,到1995年才执导了自己的处女作《赢家》,这时的张艺谋、陈凯歌们早已蜚声国际,因此他常调侃自己是“五代半”导演。霍建起1999年拍出了自己的代表作《那山那人那狗》,这部电影拿奖无数,也捧红了19岁的刘烨。2001年他再次启用两位新人潘粤明、袁泉拍摄了这部《蓝色爱情》。如果说《赢家》、《歌手》的风格是简练,《那山那人那狗》是清新空灵,那《蓝色爱情》显然不同于霍建起之前的任何电影,这部反叛式的电影,从风格、叙事上来说都相当先锋。《蓝色爱情》讲述了青年刑警邰林和话剧演员刘云之间的一段爱情故事。邰林刚接父亲的班当上了刑警,一天在桥上看到一个女孩要跳桥自杀,劝阻后才发现这个叫刘云的女孩是个话剧演员,正在搞行为艺术,两人因此相识相恋。刘云托邰林帮忙寻找曾经救过自己名叫马白驹的男人,不曾想,马白驹在多年前被牵扯进一桩凶杀案,现在正是刑警队追查的嫌疑人,邰林进一步调查后发现马白驹就是刘云的亲生父亲,这对恋人的故事便有了交错复杂的发展。电影改编自近期再次名声大噪的湖北籍著名作家方方的中篇小说《行为艺术》,但是霍建起做了大幅度的改编和重组,在剧情上启用了套层结构,设计了一个精妙的戏中戏。邰林和刘云的恋爱故事、追查马白驹的案件、刘云的行为艺术是电影中的现实世界,这是电影叙事的主线,同时它呼应着“行为艺术和生活是相互联系,人的参与便是行为艺术存在的方式”这个主题。电影中多次出现的刘云表演的话剧,它也是真实的,象征着人物的情感世界,它不仅对现实世界的情节给予观众提示,同时承担着解释“行为艺术”概念与内涵的作用,还有最重要的一点,它承担着导演想要表达的主题功能。这两条线各有叙述上的分工,同时并行并重、相互渗透。还有第三条线,是嵌套在现实世界中的,就是马白驹的故事。当年一位警察夺走了马白驹的恋人李文竹,某天在澡堂中马白驹和警察不期而遇,愤怒的马白驹质问警察种种不是,导致正在做卧底的警察暴露身份,当场牺牲。带着负罪感的马白驹逃亡他乡,甚至改名换姓,李文竹在得知真相后也精神崩溃。电影多次闪回到马白驹的年轻时代,他和李文竹的恋爱故事交错对应着邰林和刘云,营造无可奈何的宿命感。套层结构的难点在于,它容易打乱观众的观影节奏,如果处理不好观众就看不懂。霍建起在解决这个问题时,运用了闪回方式,在正常的叙事中插入其他时间段的叙事,在观众的观影习惯范围之内融入导演思维,观众不费力就能理解剧情的推进。电影以刘云佯装跳桥邰林及时劝阻为开头,在影片结尾,刘云再次跳下大桥,不明就里的邰林也随即跳下去救她,在江水中挣扎的邰林这才发现,她是在蹦极,全片就这样在刘云又一次的行为艺术中结束。这个首尾呼应,既制造了悬疑感,又推动情绪达到高潮,再次升华了主题。导演在反复告诉观众,生活就是一种行为艺术,人人都可能是别人行为艺术里的一部分。02 以忧郁为底色的动人爱情,以寻找和改变为过程的个体认同蓝色是忧郁的颜色,因此全片都带着愁郁、忧伤的氛围。现代都市中人的忧郁从何而来?寻找自我,追求个人的自我认同是其中重要的情绪构成。电影里有段很点题的台词:“一瞬间 我觉得自己很可笑我在找别人 同时也在被别人找大家在黑暗中互相辨认 一根手指就要碰到你的鼻尖你还一无所知 ”邰林从小成绩不好,没考上大学,顶替父亲当上了警察(年轻的观众可能理解不了,在70、80年代这种政策非常普遍)。警察是秩序的符号,讲究服从和约束,是压抑个性的,和刘云开展行为艺术讲究的思想解放背道而驰。警察这个角色是生活需要,并不是他的自觉选择,第一个镜头他就说“梦想是成为艺术家”。他在努力适应新的角色环境,电影里也用一些细节来表现,比如在罪案现场的呕吐、和老警察之间的争执等。确立新的自我认同是个痛苦的过程,要抛弃自己固有的爱好、习惯、理想,与寻找自己的价值之间找到一种平衡,这是一种自我压迫、自我改变的过程。我们从邰林和父亲的谈心,以及他和老警察灰马谈话中突然的情绪崩溃,感受到了寻找自我认同过程中的苦楚。邰林从犹豫要不要告诉刘云真相,到下定决心追查马白驹不惜牺牲爱情,这种心理蜕变是他自我改变的开始。刘云一直在寻找,寻找亲情、寻找爱情、寻找艺术灵感,不如说,她一直寻找的是自己。刘云小时候受过挫折有心理阴影,这段经历使她内心充满怀疑和矛盾。但又是一个喜欢行为艺术的演员,在感性和理性,艺术理想和世俗现实之间、在等待、寻找与害怕结果之间徘徊。她怀疑自己的身世,怀疑自己与邰林的爱情。电影里她在话剧舞台上有多处纯洁华美的装扮、莎士比亚式的内心独白,显示了她在新的自我确认过程中的孤独感。刘云作为艺术家的自我认同感是她能够自由的创作,她要让任何人都可以成为她行为艺术的参与者和配合者。但行为艺术的创作与社会的秩序,和普通民众的接受程度显然是有冲突的。比如刘云在电影开头谎称自己杀了前男友,被邰林带到警队,并留下了案底。邰林在书店里问店员“有行为艺术的书吗?”,店员反问他:“什么是行为艺术?”邰林想了半天也没找到合适的词语。刘云多次的行为艺术与现实格格不入,她问自己“我是不是又生活在别人的艺术过程中,又有谁走进我的艺术过程里?”,她的自我认同有很多的挫败感。刘云在舞台上惊恐般的呐喊,眼角带泪从桥上纵身一跃时,观众以为这是个无法逆转的悲剧故事。好在导演在结尾留有暖意,刘云在空中自由的飞舞,邰林在江水里大叫她的名字,不顾安危的配合了这一场行为艺术。这个一直在寻找的女孩,找到了她的答案。03 精雕细琢的视听语言,多重镜头下的盎然诗意霍建起在国内被称为“诗人导演”,美术设计出身的他,深谙将“景语”打造为“情语”之道,极其在注重镜头语言中的美感和诗意。诗意意境的营造,让人们在客观的景物中,看见人物主观的情绪变化。《蓝色爱情》在大连取景,长长的跨河大桥,淡蓝色调的海边码头,人物的远景就是一望无际的大海。深夜无人的街头,雷鸣闪电下的轨道电车,擦身而过的公车。几场邰林和刘云的重头戏都放在了宽阔的外景下,这些作为背景的静物下不只是人物在移动,还有复杂的情绪在流动。在视听语言的设计上,这部电影在构图、色彩、光影乃至剪辑上精雕细琢,在整体上具有诗情画意。霍建起对固定镜头有特殊的偏爱,影片里有两次邰林理发以后从街边走过的镜头,同一个机位的视觉,像同一个人在远远地观察邰林的生活。这两次重复的场景中,邰林的情绪完全不同,第一次是愉悦,第二次是伤感,这种重复寓意了人物的成长。大桥、码头等运用的是中远景镜头,镜头中的景别和景深的控制得恰到好处,将演员的表演和美丽景色同时收入镜头之中。电影最惊艳的镜头设计是刘云鼓起勇气去见自己的亲生父亲马白驹,缓缓打开的门中,镜头只给刘云的脸,父亲的反应并没有出现在画面中,既有构图上的美感,也保留了悬念。长镜头+特殊色彩中有着导演明确的自我表达欲望。邰林和刘云在照片冲印室里争吵,暗红色的画面加上一个持续数分钟的长镜头,突显人物的愤怒和纠结。还有特写镜头下的人物独白,刘云有三处非常美的独白特写镜头,通过这种方式,观众往往能进入人物的心理视角来理解这种情感。中外的艺术电影大师们为何在电影中都喜欢用外型突出的演员,比如佩德罗.阿尔莫多瓦、迈克尔.哈内克、张艺谋、王家卫,因为美人也是电影美学的重要部分,演员的气质甚至左右了整部电影的气质。刘云这个角色完全是为袁泉打造的,她时而忧郁沉静,时而灿烂明媚,时而古灵精怪,还有一种独特的神秘感,也许观众和邰林一样,都不曾懂她。潘粤明在同年的电影《情不自禁》里,也演了一个警察角色,年轻的他能演出不同的味道,实在难能可贵。可以说这部电影和两位演员相互成就,缺一不可。结语从1999年的《那山那人那狗》开始到2003年,《蓝色爱情》、《生活秀》、《暖》都是非常好的现实主义作品,这段时期是霍建起的创作巅峰期。在大片时代,他依然坚守着“小而美”的风格,执著于对诗意电影的追求。《蓝色爱情》也许不是霍建起最好的作品,但却是最勇敢的电影,它勇于探索叙事结构挑战观众的观影习惯,关注那个时期中国城市人群的情感需求和自我价值认同,在20年后依然值得细细品味。感谢阅读。

    2020-02-20
  • 千山研报|《哪吒》出海看国产片海外票房市场的上行潜力和难题

    10月26日,《哪吒之魔童降世》在中国内地结束了3个月映期,以49.74亿累计票房正式收官,高居内地影史票房总榜亚军,总观影人次高达1.39亿,稳居2019年度票房冠军。除此之外,连续28天获得单日票房冠军、单日票房破千万总天数46天、单一市场动画电影票房最高纪录等等成绩让人欣喜。票房势头高歌猛进之时,出品方光线传媒也适时宣布了《哪吒》进军海外市场的发行计划。8月29日起在北美地区上映IMAX版本、9月6日全版本上映,影片在北美由主要负责发行东亚市场影片的发行商WELL GO USA发行。截至10月31日,《哪吒》在北美市场的累计票房为369万美元,开画影院规模135家,在2019年北美市场非英语影片的票房排名中排在第6位,而同样于今年上映的《流浪地球》排在第2位。和两部影片在国内的票房成绩相比,北美市场表现差强人意,并没有达到许多国内观众期望的惊人成绩。但是纵观外语片在北美市场的表现和市场,这两部影片的票房其实已相当不错。一、海外市场票房产出受限制因素虽然好莱坞出品的英语电影在北美市场占据着绝对的主导地位,但作为一个多元化的移民国家,非英语电影仍然存在可观的上映空间。因为受到分级、宣发、上映规模等限制,票房成绩自然不可能和大规模开画的传统好莱坞电影相比。首先,北美市场大规模上映(超过600家影院)的必要条件之一是要进行MPAA(美国电影协会)分级,而非英语电影多数不选择进行MPAA分级的原因是因此,影片只能在小众院线和受众人群聚居区影院进行小规模上映,排片数量限制了票房的发展。其次,在英语国家进行非英语电影的宣传工作也是挑战。除了文化差异和文化背景难以理解外,宣传成本和票房预测收益的权衡,也使得发行公司不会选择进行重金宣传的策略。目前多数线下宣传(报刊杂志、广告牌、候车亭等)集中在电影语种观众的聚集区,线上宣传(互联网、移动端、数字广告等)也会选投在受众人群聚集的特定网站、论坛等。受排片和宣传的限制,大多数北美市场的观众大概根本不知道这些电影的上映。相比之下,好莱坞A类电影的宣传成本都在5000万美元之上,B类电影的宣传成本也在800-1000万美元以上,而北美预测票房只有500万都不到的情况下,片方分得的票房只有1/2,这种收益下想要花大价钱做宣发必然血本无归。二、今年其它非英语影片在北美市场的票房成绩上表中统计了2019年在北美地区上映的非英语影片、累计票房超过50万美元的的排名情况,如表中所示,今年非英语电影在北美市场整体表现比较平庸。从数量上来看印度电影一骑绝尘,占比接近40%,其次为西班牙语电影和中文电影,分别占比接近20%,其余基本被法语电影占据。从影院数量来看,印度电影相对稳定且排片较广,基本在200-300家影院往上;西班牙语电影也可以保持在100-200家左右,本年度影院数量最高的《学校整蛊联盟2》开画规模冲到了472家;中文电影影院数量较少,冲海外票房力度较大的两部《流浪地球》和《哪吒之魔童降世》影院数量也只能排到130家左右。在排片受限的情况下,两部影片的票房尚属瞩目,单影院产出较为出色。国内票房的巨大成功,也为其在北美市场的表现酿造出较高的新闻话题和热度。对比印度电影动辄突破100万美元的成绩,华语电影在北美市场显得受众面比较狭窄。过去在北美市场卖座的国产影片多是武侠、动作类电影,而如今这类作品也都已不再风光。近年来在国内曾获得成功票房的国产片,在北美市场的票房成绩却无法继承本土的荣光。《我不是药神》内地票房31亿,北美于今年8月上映,票房成绩6752美元,这也与间隔1年后上映、热度已消耗完有关;《捉妖记》内地票房24.4亿,北美间隔半年后上映,票房仅为3万美元;《烈火英雄》内地票房16.9亿,北美仅晚一周上映,并且开画规模达到150家影院,最终票房29万美元,馆均票房并不理想;《西游记之女儿国》内地7.3亿票房,做到了春节档与国内同步上映,最终票房18万美元。三、国产片出海票房历史根据Box Office Mojo网站数据统计,在北美市场上映过的非英语电影为2484部,其中票房超过500万美元的为92部,中国电影占据12席位。可以看出,自从《卧虎藏龙》在2000年开启东方武侠动作电影在海外市场的里程碑开始,2000年-2005间生产的优秀国产功夫电影、武侠电影在海外受到了广泛的喜爱和追捧。不仅体现在大规模上映、超过2000家影院同时开画的特殊待遇上,也体现在上千万美元的票房上。《卧虎藏龙》至今仍高居北美市场非英语影片的票房榜首,并且和第二名拉出近一倍的距离,保持着难以超越的高度。李安、陈凯歌、张艺谋、王家卫等国际知名的导演们,自然也有了一定的“品牌效应”,除了上面提到的电影外,《荆轲刺秦王》(陈凯歌)《花样年华》《2046》(王家卫)《大红灯笼高高挂》《活着》(张艺谋)等电影票房均突破了百万美元。二十世纪九十年代到本世纪初是华语电影在北美市场的鼎盛期。而近年来随着中国电影市场的崛起,尽管每年在海外发行的电影越来越多,但票房普遍低迷,“墙内开花”真正做到“墙外香”的是极少数,许多在国内票房不俗的电影在北美市场表现平平。同时受限于题材的更迭、文化差异、语言不同、上映规模等问题,现代题材的国产片很难在海外市场进行反向的文化输出,观众仍然以旅居海外的华人为主,难以破圈。纵观整个北美市场,非英语影片的市场份额也在逐渐减少,好莱坞电影长期占据着各大影院院线的排片名额,留给外语片的空间少之又少,多数只能选择在小众艺术院线上映,难以接触到主流观众。发行商也是一大关键因素,近年来负责华语片在北美市场的发行公司主要有北美华狮、WELL GO USA、Film Rise等,与早年发行《卧虎藏龙》、《功夫》、《十面埋伏》的索尼影业;曾发行《英雄》、《霸王别姬》、《一代宗师》的米拉麦克斯(后韦恩斯坦)相比,市场规模和体量、运作经验和推广能力无法相比。四、未来如何提升国产片在海外市场的认知影响《战狼2》全球总票房8.7亿美元,北美272万美元,占比0.3%;《哪吒》全球总票房7亿美元,北美369万美元,占比0.5%;《流浪地球》全球总票房6.9亿美元,北美587万美元,占比0.8%;《红海行动》全球总票房5.7亿美元,北美154万美元,占比0.3%;《唐人街探案2》全球总票房5.4亿美元,北美198万美元,占比0.4%;......可以看出,这几年的华语片,只能在大陆市场进行大规模上映,也只有中国人自己在看。但是视线回到20年前,当时那一批优秀的华语片在海外的影响力至今犹存。《卧虎藏龙》全球总票房2.1亿美元,北美1.2万美元,占比60%;《英雄》全球总票房1.7亿美元,北美5371万美元,占比30.3%;《霍元甲》全球总票房6800万美元,北美2463万美元,占比36.2%;《功夫》全球总票房1.04亿美元,北美1710万美元,占比16.3%;......第一批出海的中国导演,迫切的想要展现出不同于好莱坞的“东方格调”,因此在影片中着力表现出强烈的中国元素与东方美学的表现方式。而作为中华文化的一张名片,武侠与功夫显然能够承担起这一角色,而且关于武侠功夫与东方文化的结合,华语导演普遍积累了相当成熟的经验。而这几年在中国获得高票房的商业大片,本质都是在延续好莱坞那一套工业生产化的套路和标准,拿着这些人家司空见惯的作品给别人看,再加上文化和语言的不通,自然无法收获理想的成绩。在《哪吒》上映之前,许多国内观众对其寄予厚望,《哪吒》自身的主题思想、呈现出的东方美学和神话故事,具有独特性和新奇感,仍无法突破票房瓶颈的原因,除了宣传排片的客观因素外,在内容方面的神话背景、独特的网络梗、方言,与西方受众所了解的东方文化仍然无法融合。文化差异是无可避免的首要问题,中华文化在国际上的印象仍然停留在上世纪,许多外国观众对功夫、武侠、古装等题材有所了解和偏爱。相反对现代中国的了解甚少,对现实社会中揭露的问题无法感同身受。因此,海外文化输出是改变固有标签和印象的最佳也是必要途径。随着武侠动作电影的落寞,未来电影内容会着重聚焦在现实主义、体现现代价值观上。突破文化壁垒的重点在于情感共鸣,影片的内容建立在本国特有传统文化上无可厚非,只要影片所表达的思想立意具有普世价值观,挖掘出人类共同情感的素材,表达方式便于理解和接受,一样可以获得海外观众的喜爱。《寻梦环游记》、《千与千寻》都是极好的例子。除此之外,发行策略和规模也是票房的决定性因素。索尼影业在发行《卧虎藏龙》时,先选择在洛杉矶、纽约等大城市的影院上映,因为这些城市有华人聚居区,也是影迷较多的城市,同时借助当地的媒体声音扩散宣传,在各大电影节有所斩获后开始二轮宣传并扩大放映量及增加上映场馆数,最终票房一路走高。因此,对于市场认知力相对较弱的海外市场而言,出海的电影一定要制定严密的运作计划,步步为营,做好排片工作。北美院线没有强制下映一说,许多小众的艺术片和外语片都是走小规模上映、配合奖项宣传、逐渐建立口碑的路线。因此,影片类型以商业艺术片为主会更有优势,便于在行业内人士关注的电影节、影展、业内奖项等场合进行推广和宣传,纯商业片无法走这条路线,很难和好莱坞商业大片竞争。即使是外语片中维持了20年榜首的《卧虎藏龙》,其商业成绩和顶级的好莱坞大片相比,也无法相提并论。

    2020-02-19
  • 陈红.宋丹丹捧儿子火不起来,只有她儿子没捧就红了.

    提起陈红,相信广大网友们都非常的熟悉,陈红在影视圈中当中也是非常知名的艺人了,她在娱乐圈当中也有着不可代替的成就和地位。她出道这么多年,也是出演过很多的影视作品,其在剧中的不俗表现也赢得了广大观众们的一致好评,他的演技还是非常不错的。陈红自从和陈凯歌结婚之后,便逐渐淡出了银幕,他们还有一个儿子,作为知名导演和知名演员的儿子,近年来,陈飞宇在银幕上也是逐渐活跃了起来,但是陈飞宇自从出道以来,其在影视作品中的名气一直不佳。看来,在娱乐圈当中,看来仅仅依靠父母的力量是不够的。提起宋丹丹,相信广大网友们都非常的熟悉,宋丹丹的演技不用说,她是一个非常好的话剧演员,虽然今天的宋丹丹很老了,但是她经常活跃在屏幕上,宋丹丹还有一个儿子叫做巴图,宋丹丹对他的儿子抱有很高的期望,希望能在影视界发展,巴图也通过母亲出演了一些影视剧,但是这么多年,巴图虽然出演了一些影视剧,但还是处于不温不火的状态。提起董子健,相信广大网友们都非常的熟悉,董子健虽然很年轻,但是他的知名度也是很高的,他的母亲是一位特别优秀的经纪人,与艺术家都有着很好的发展,但是董子健并不是靠他母亲,他完全是依靠自己的努力获得的成功,他的代表作也有很多,如《解忧杂货铺》和《青春派》这些著名的电影,董子健在这些电影中都有着非常不错的表现,近年来,董子健的名气和声望也是持续上升。对此,广大小伙伴们怎么看呢?

    2020-02-19
  • 羡慕奉俊昊获得奥斯卡?其实25年前的张艺谋、陈凯歌也非常优秀

    韩国导演奉俊昊执导的《寄生虫》从去年开始,横扫了各大电影节,其中最著名的成就莫过于获得了第72届戛纳电影节上的金棕榈奖,以及获得了第92届奥斯卡金像奖上包括最佳影片、最佳导演在内的四项大奖。消息传来,让国内对奥斯卡金像奖翘首以盼的影迷们唏嘘不已。的确,国产电影近年来太少的染指国际电影节上的奖项了,而国产电影对于奥斯卡的期盼却是由来已久了。而说到电影的历史,国产电影在一段时间内,相对于韩国电影是绝对领先的,甚至在一段时间内,国产电影也有过非常辉煌的时期。特别是25年前,国内第五代导演的代表人物张艺谋和陈凯歌也非常优秀,这两位北影的老同学,曾经创造了国产电影一段辉煌的历史。张艺谋和陈凯歌的故事,还要从1978年说起,这一年高考刚刚恢复。张艺谋和陈凯歌作为当时的两名大龄青年,分别通过不同的渠道进入了北京电影学院的摄影系和导演系。这一年张艺谋28岁,陈凯歌26岁,这一年张艺谋和前妻肖华已经领了结婚证。在进入大学之前,张艺谋是一名摄影爱好者,为了能够得到一部属于自己的照相机,张艺谋还曾卖过血。在同学的眼里,张艺谋当年沉默寡言,时不时的会给同学们一个憨厚朴实的笑容。和张艺谋的沉默寡言不同,陈凯歌表现的堪称恃才傲物,他出生在电影世家,他的父亲陈怀恺在当时已经是一位非常著名的电影导演。两个本来在学校中交集不太多的同学,在毕业后工作都被分配到了广西电影制片厂。当时张艺谋担任摄影师,陈凯歌是一名导演。1984年张艺谋担任了《一个和八个》的摄影师,这部由陈道明、陶泽如主演的电影,具有划时代的意义,被称为第五代导演的第一部作品,这部影片的导演张军钊也是陈凯歌和张艺谋的同学。同样在1984年,张艺谋和陈凯歌合作了《黄土地》这部影片,张艺谋担任《黄土地》的摄影师,陈凯歌为导演。凭借这部影片,陈凯歌开始广为人知,张艺谋也因为在这部影片中的出色发挥,而跨入了国内一线摄影师的行列。而《黄土地》标志着第五代电影人开始正式走入中国影坛,并开创一段属于他们的光辉岁月。而这部影片的摄影师和导演,则成为了第五代导演的领军人物。在1988年,张艺谋作为导演的处女作《红高粱》参展柏林电影节,一举获得了金熊奖,这是亚洲电影第一次获得该奖项。同年陈凯歌执导的《孩子王》这部影片参展了戛纳电影节,并获得了教育贡献奖,以及金棕榈奖的提名。重要的是,在这届电影节上,陈凯歌认识了一位名叫徐枫的制片人,这位制片人向陈凯歌推荐了一本名叫《霸王别姬》的小说,并希望陈凯歌担任这部影片的导演。当年既没有看过这部小说,也不认识张国荣的陈凯歌,怎么也想不到他即将执导的这部影片对华语电影的影响。因为《红高粱》张艺谋认识了巩俐,他凭借《红高粱》征服了世界观众,而巩俐则凭借《红高粱》中的九儿征服了张艺谋。为此张艺谋还和前妻肖华离了婚,这一年张艺谋37岁,他辉煌的电影生涯刚刚开始。之后,张艺谋和巩俐尝试性的合作了两部商业影片,其中一部是由葛优、巩俐主演的《代号美洲豹》,一部则是由张艺谋和巩俐主演,程小东执导的《古今大战秦俑情》。而张艺谋在《古今大战秦俑情》中的造型,像极了老同学陈凯歌在《秦国人》这篇文章中对他的描述——“我常和张艺谋不开玩笑地说,他长得像一尊秦兵马俑,假如我们拍摄一部贯通古 今的荒诞派电影,从一尊放置在咸阳古道上的俑人大远景缓推成中近景,随即叠化成艺谋的脸,那么,它和他会是极相似的,或许因为艺谋是真正秦人的后代。”在1990年,由张艺谋执导,巩俐、李保田、李纬主演的影片《菊豆》上映,这部影片获得了国产片历史上第一次奥斯卡金像奖最佳外语片奖的提名。这比韩国电影《寄生虫》首次获得奥斯卡提名的时间早了29年,主演这部影片的演员中,李纬是一名老演员。他在早年还曾主演过被誉为早期国产电影巅峰的《小城之春》,以及建国后的优秀影片《我这一辈子》。从这个设定中,我们可以看到国产电影的传承。1991年,张艺谋又和巩俐合作了《大红灯笼高高挂》,这部影片同样获得了奥斯卡最佳外语片奖的提名。遗憾的是,提名并没有转化为获奖,在接下来,张艺谋和巩俐合作的《秋菊打官司》再次获得国际电影节的认可,这次他们斩获的是被称为欧洲三大电影节之一的威尼斯电影节,《秋菊打官司》分别获得了最佳影片和最佳女主角(巩俐)。在之后的1993年,由陈凯歌执导,张国荣、巩俐、张丰毅、葛优等人主演的《霸王别姬》上映,这部影片至今为止仍然是华语电影史上不可超越的巅峰之作。特别是张国荣对程蝶衣的演绎,如痴如狂,绝美芳华。这部影片获得了华语电影至今为止,唯一的一座戛纳电影节上的金棕榈奖。这个成就比韩国电影《寄生虫》早了26年。并且这部影片还获得了奥斯卡最佳外语片奖的提名,仍然让人遗憾的是,这部影片最终未能获奖。在这之后的若干年,张艺谋和陈凯歌还有一些优秀的作品问世,如《一个都不能少》,如《风月》,如那部被称为国产第一部商业大片的《英雄》。然而国产电影最好的年华被留在了25年前,那段辉煌的岁月,是一代国产电影人的骄傲,是张艺谋和陈凯歌这对老同学的骄傲。虽然从现在的眼光看,国产电影没有诞生像《寄生虫》这样的创新力作,但是就题材上而言,就作品的深度和经典程度而言,当年的国产电影的质地丝毫不弱于《寄生虫》。尤其是《霸王别姬》这部影片,在对民族传统文化的挖掘,在对一段历史的呈现,在对一种爱恨纠葛的表达上,都将国产电影推到了一个高度。然而在上世纪末和本世纪初的交汇之际,国产电影面临着一种关于艺术还是票房的抉择。当时好莱坞大片引进到国内之后,在院线市场上如入无人之境,对国产电影市场摧枯拉朽。这个局面让当时的国产电影人陷入了一种尴尬的境遇,为了让国产电影在商业片领域有所作为,当时的国内电影人不得不将影片的创作向商业倾斜。于是在本世纪初的10年里,张艺谋和陈凯歌这两位第五代电影人的代表,又掀起了一阵“中国风”商业大片潮。虽然说这两位传统电影人将主要精力放在了商业片领域,但是他们的创作依然尽量的基于艺术和商业的结合理念。但是因为对电影语言的把握和对故事掌握得不够成熟,这段时期的国产电影,并没有太经典的作品出现,如果非要选一部代表作的话,那就是张艺谋的转型作品《英雄》吧。在过度商业的氛围中,国产电影逐渐失去了艺术的灵魂。张艺谋和陈凯歌这两位国产电影的代表人物也已逐渐进入古稀之年,而近年来的国产新的代表性人物贾樟柯、宁浩、娄烨等人,虽然也尝试着改变国产电影的现状,但是他们未能将艺术和商业进行很好的融合。电影作为一种集体艺术,一个时代过去了可能要等待很多年,正如25年前国产电影的那段辉煌岁月,不知道什么时候还能到来。只是如今看来,那段时光让影迷们值得怀念,至少那段时间的国产电影,并不比现在的韩国电影差。只能用“江山代有才人出,各领风骚数百年”聊以自我安慰了。

    2020-02-19
  • 《我就是演员》综艺的一个大赢家

    去年一档演员综艺,让大众关注到了一个青年演员牛骏峰,或者说有一大部分人关注到了他,不单单只是他的粉丝,在演员综艺里牛骏峰的表现本来就可圈可点,也因此受到了更多的关注。牛骏峰的演技一直是非常好的,而且路人缘也一直不错,可能是因为没有强大的背景,感觉他的资源一直很不好,在行业里即便是拿到手的资源,被其他艺人截胡也是常有的事儿。通过这个综艺节目,牛骏峰应该收货了不少,对比下来邪童觉得他算是这个综艺里的大赢家了,节目里作为评委的陈凯歌导演对牛骏峰非常认可,建立了友谊,相信之后牛骏峰的资源会比之前会好一点。现在牛骏峰也受到了几位前辈的关注和提携,如果碰到了好的机会合适的角色,相信他出圈的可能性是很大的。牛骏峰一直以来在正剧的路线基本是稳定的,只是目前牛骏峰虽然有演技但是距离能担起一部剧的男主还是有的,不过他之后的发展路线还是很让人期待的。很早之前牛骏峰就在接受访问的时候就说过自己不火不是因为自己的团队不行,当初他说这句话出于何种心情我们也不知道,反正是智者见智仁者见仁吧。

    2020-02-18
  • 张艺谋一部电影捧红一个谋女郎,同量级的冯小刚,差在了哪儿?

    张艺谋和冯小刚可以说是中国导演的两座高峰,都拍出了不少脍炙人口的好作品,同为重量级的大导演,不可避免要被众多影迷拿来对比一番。由于张艺谋出道比冯小刚早了将近10年,刨去这10年的作品,单从电影作品的数量上来看,两位导演可以说是大同小异,不相上下。但是不管从艺术成就,还是从为人处世上,两个人完全没有可比性,冯小刚差的不是一星半点儿!近三十年来,张艺谋是无可争议的中国电影第一人,不仅让中国电影走向了世界,还开创了中国商业大片的先河,说是中国电影的里程碑式的人物也丝毫不为过。张艺谋执导的第一部电影作品《红高粱》一经出世,就获得了第38届柏林国际电影节金熊奖 ,一举成名,充分展示了自己的出色的艺术才能,这部作品也宣告了张艺谋成为世界级的大导演。自《红高粱》之后,张艺谋就成了欧洲三大国际电影节的常客,在三大国际电影节上拿奖拿的手软,一部《活着》让葛优成为戛纳影帝,一部《秋菊打官司》让巩俐成为威尼斯影后。到目前为止,张导拿下的大奖不计其数,除了已经完全混好莱坞的李安,张艺谋已经成为中国电影的第一人。张艺谋一共在欧洲三大电影节获得3座最高金奖,3座银奖,3次提名奥斯卡奖,5次提名金球奖,2次获得英奥奖。而这些奖项,冯小刚一个都没有,在艺术造诣方面,冯小刚完败。在这三十年,冯小刚最大的成就恐怕只有一个,那就是获得了和张艺谋、陈凯歌同为中国三大导演的荣誉。但不可否认,冯小刚也对中国电影的发展,也做出了不可磨灭的贡献。虽说冯小刚主攻的是国内的电影市场,但是迄今为止票房最高的一部作品《芳华》,在豆瓣上的评分也只有7.6分,这部电影作品改编于严歌苓的同名小说《芳华》。无独有偶,张艺谋在2013年执导的一部作品《归来》,作品同样是取材于严歌苓的小说,这部小说的名字是《陆犯焉识》,在豆瓣上的评分达到了7.9分,略高于冯小刚。这两部小说的大背景基本相同,故事都发生在七十年代,要说这两部作品最大的不同,就是《芳华》这部电影是一部绚丽的片子,展示的是张扬的青春,饱含了冯小刚对青春的怀念。从《芳华》中大家看到了现在,所有的东西其实都没变。而《归来》这部作品更加关注的是感情上和人物细节上的描绘,从生活中点点滴滴的小事带来莫名的小感动,就像一支小手总能触动到你心灵最深处最薄弱的地方。陈道明和巩俐的出色表演,也让观众看到了那个年代最纯洁的爱情。这段令人心酸而又感动的爱情如一把重锤敲在胸口,几近窒息,非要用用一句诗来表示的话,“十年生死两茫茫,不思量,自难忘”最合适不过了。《芳华》这部剧看过了之后,恐怕很少有人会再拿出来细细品味了,但《归来》犹如一壶老酒,越品越有味道!从这两部作品就可以看出来两人在执导能力上的差距,张艺谋作为中国电影第一人不是闹着玩儿的。作为中国最红的电影导演,两人电影中的女主角,不可避免地要被观众们进行对比,除了颜值上的评比,演技上的较量更是重中之重。作为张艺谋的第一位谋女郎,巩俐早就名扬天下了,从《红高粱》,再到《秋菊打官司》,巩俐就与张艺谋结下了不解之缘。如今的巩俐已经是影后级别的人了,但是和张艺谋还保持着很密切的联系,张艺谋对巩俐的评价也很高,但是只有八个字:收放自如,张弛有度。除了巩俐,叫得出名的谋女郎还有章子怡,倪妮,周冬雨等。而周冬雨凭借《山楂树之恋》出道以后,又凭借《七月与安生》获得了金马奖影后,如今又因为《少年的你》获得第39届香港电影金像奖最佳女主角提名,可谓是风光无限。这些谋女郎在经过张艺谋的调教之后,都在娱乐圈上大放光彩。冯小刚的冯女郎如舒淇,刘若英,苗苗等。但是舒淇和刘若英在出演冯小刚的电影之前,早就已经是获奖无数的艺人了,所以,冯小刚只有一个苗苗可以拿来吹嘘一番。总的来说,所有的冯女郎的成绩加起来,都不够巩俐和章子怡打的。在培养演员的能力上,谁高谁低,高下立判,张艺谋的眼光和能力,不是冯小刚能比的。冯小刚在圈内有“小钢炮”的绰号,对于这个绰号的来由,想必大家都心知肚明。从《天下无贼》打骂记者,《非诚勿扰》获得“护舒宝”称号,再到炮轰孙海英是被“激情燃烧坏了脑子”,让人瞠目结舌的“垃圾观众”言论,实在是有失导演的身份。作为一名公众人物,享受了很多的社会资源,那么相应的就更应该做出表率,用正确的价值观和人生观去引导社会舆论,不仅要体现在言论上,更应该体现在行动上。在公众面前的冯小刚大义凛然,给人一个敢说真话的人设,曾经也被很多人认为是华语电影的“良心”。然而在背地里,冯小刚为了利益,疯狂碰瓷,冯小刚的人品可见一斑。再到最近的2018年,北京文艺圈大佬私人聚会,喝大了的冯小刚为了助兴,要求随他一起的苗苗跳舞,这时候苗苗穿的是高跟鞋,不适合跳舞。但是旁边的人一直起哄,惹得陈道明不快,怒喷:“你TM没看过跳舞啊”,结果苗苗还是跳了。而张艺谋为人就比较低调了,他很少出现在公众视野中,当他的电影票房不好的时候,也没出来指责过观众“垃圾”,几乎都是别人骂他,很少见他骂别人。在人品上,冯小刚差了张艺谋一个珠穆朗玛峰的高度!冯小刚说到底其实是一个生意人,而张艺谋更像是一位艺术大师。冯小刚每当有新的电影作品的时候,都会为了票房,绞尽脑汁地去营销宣发,碰瓷炒作,所以饱受大家的诟病。有的时候还会搞的适得其反,甚至影响影片本身的口碑。张艺谋可以说是一位开拓者和革新者,永远站在风口浪尖上,有一种敢为天下先的无畏精神。张艺谋拍的片子大多数是不赚钱的,可能他也没想着赚钱,他只会在一部作品中尽情地挥洒自己的才华。哪怕会受到同行和影评家们的非议,但是张艺谋仍旧处事不惊,可以说达到了“不以物喜,不以己悲”的高深境界,被大家称为“国师”不是没有道理的。冯小刚就更像是一位跟风者,在张艺谋趟过的道路上,冯小刚抛弃了小成本京味贺岁片,开始拍《天下无贼》、拍《夜宴》,拍《集结号》、拍《唐山大地震》,赚的盆满钵满。张艺谋执导的《长城》上映之后,虽然场面看起来气势恢宏,特效满满,但是投资过大,票房却并没有取得预期的效果,导致最后亏了很多。冯小刚就因此事在某节目上讽刺张艺谋,生意人的品相暴露无遗。虽然说得挣钱养家糊口,但是当导演这么多年了,该赚够了吧?为什么不追随张艺谋去寻求精神上的享受呢?看来冯小刚的人生格局也就如此了。如果说冯小刚是国家级的导演,那么张艺谋就是名正言顺的世界级导演,这就是两人的差距!

    2020-02-18